中国画，简称“国画”，是用毛笔、墨汁和国画颜料画在特制的宣纸或绢上。题材以人物、山水、花鸟为主，技法分为用笔和写意两种，充满传统特色。
从艺术史的角度来看，民国以前的所有中国画统称为古画。中国画在古代没有明确的名称，一般称为丹青，主要指画在绢、宣纸、绢上并装裱的卷轴画。近代以来称为中国画，区别于从西方传入的油画(又称西洋画)等外国绘画。它是由中国独特的笔墨和颜料，按照长期的表现形式和艺术规律创造的绘画。
中国画从思想内容和艺术创作上反映了中华民族的社会意识和审美情趣，体现了中国人对自然、社会和与之相关的政治、哲学、宗教、道德、文学、艺术的认识。国画强调“外教之性，中国之心源”，要求“意为先存笔，画为尽力”，强调融物，创造意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动的目的。因为书画同源，又都与骨法、线条的操作密切相关，所以书画篆刻相互影响，形成了显著的艺术特色。绘画的工具材料是中国特制的笔、墨、纸、砚、绢。现代中国画在继承传统和吸收外来技法中有所突破和发展。
[编辑本段]中国画的起源
中国画，古代起源，象形文字，奠基；写字和画画，在开始的时候，没有区别，这样。我国有书画同源的说法。有人认为伏羲画卦、写字为书画之首。写字和画画没有区别。
陶器是新石器时代的产物，可分为黑陶、白陶和彩陶。在新石器时代重要遗址半坡村出土的彩陶上，有鱼互相追逐，有鹿跳跃。一个来自甘肃永靖的仿船形陶罐，让我们仿佛置身岸边。还有三组五人手拉手走在青海大同孙家寨发现的舞彩盆上，展现青春活力。是学习中国画史的根本。新石器时代晚期，在新店、龙山文化遗址发现了中国最早的青铜器，既是器物，也是工艺美术品。常见的青铜器纹饰有燕屯纹、云雷纹、夔文、龙纹、虎纹等。，而人体也是有用的装饰图案。双钉合成的含纹图案，尾部卷曲，非常漂亮。带舞蹈图案的彩陶盆
青铜器上的装饰画可分为两类:一类是描写贵族生活中的礼仪活动，如宴饮、射信、表示祭祀等。；另一种是描写水陆进攻和战争。比如赵谷的《雕青铜剑》，体现了贵族生活的礼制活动。另一类是描绘两栖攻击的形象，以山表镇出版的《水陆突击战教科书》为代表。百花潭的其他铜壶和故宫的宴席铜壶都有表现战争场面的图片。这些画面中，有水陆大战、固壁防御、天梯攻击等情节。还有对水战和陆战的描述，展现了冲锋杀敌的细节。士兵有的持剑戟，有的持剑矛，形象生动。这些艺术手法极大地启发和影响了汉画的石雕和砖雕。
[编辑本段]中国画的发展
中国画发展的基本历史进程
侯子墓(西汉)帛画历史悠久。早在2000年前的战国时期就出现了帛画，在此之前还有原始岩画和彩陶画。这些早期的绘画为后来的中国画以线条为主要造型手段奠定了基础。两汉魏晋南北朝时期，社会由稳定的统一向分裂迅速转变，外来文化和本土文化的冲击与融合，使绘画形成了以宗教绘画为主，本土历史人物和文学作品取料占一定比例的局面，山水画和花鸟画也在此时萌芽。同时有意识地从理论上把握绘画，提出评价标准。隋唐时期，社会经济文化高度繁荣，绘画也呈现出全面的繁荣。山水画和花鸟画已经成熟，宗教画达到顶峰，出现了世俗化的倾向；肖像画主要表现贵族生活，有具有时代特征的人物。到了五代两宋时期，更加成熟繁荣，人物画已经转向描绘世俗生活，宗教绘画逐渐衰落，山水画、花鸟画成为绘画的主流。文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作理念和表现方法。元明清时期，水墨山水、写意花鸟得到了突出的发展，文人画成为中国画的主流，但其末流却走向了模仿，与时代和生活越来越远。从19年底开始，百年来中国画不断引入西方艺术的表现形式和艺术理念，在继承国画传统的文化环境中出现了众多流派、名家和不断的改革创新。
19世纪以后，在上海、北京(含天津)、广州等政治、经济(尤其是商业、文化)发达的中心城市聚集了一大批画家，即以上海为中心的江浙画家，如任颐、虚谷、吴昌硕、黄、刘海粟、潘天寿、朱湛、张大千、傅抱石、、陆等。以北京为中心的北方画家，如齐白石、、金城、、、、蒋、、李可染等。一批以广州为中心的岭南画家，如高、、陈、何香凝、、、等。随着形势和时代的变化，上述地区的画家也随之迁移。比如抗日战争时期很多画家来到西南，1949以后很多画家如张大千、黄君璧、赵少昂等移居国外和港台地区。今天，中国大部分省市都建立了画院，除了三个中心之外，还出现了许多新的中心，画家的数量空前扩大。
在中国现代画家中，许多画家继承和坚持传统绘画的基本模式。他们要么遵循模仿和继承上一代画家技法和风范的原则，要么在继承传统的同时努力改变，在保存和发展传统的同时形成自己的风格。前者包括金城、顾，后者以齐白石、黄、潘天寿为代表。
五四新文化运动以来，随着西方艺术的大量引进和反封建斗争的深入，中国画的改革成为时代的新潮流。以留学日本和欧美的高、、刘海粟、徐悲鸿、林风眠等为代表，主张将西方艺术的现实主义和现代西方艺术的创作理念与中国传统人物画相融合，走出了一条中国画改革创新的新路，使中国画焕发出新的生机。其中，高、等岭南画家主张中外妥协，古今融合，将日本绘画与传统的水冲、粉撞、无骨画相结合，创造出一种具有强烈奔放时代感的新风格。徐悲鸿将西方绘画的写实技法融入传统笔墨，丰富了中国画的表现力。林风眠调和中西，吸收了民间艺术的质朴和活力，形成了自己独特的风格，意境深远，形式新颖。此外，陈之佛将中外装饰艺术的色彩融入工笔花鸟画的创作中，张大千借鉴了西方抽象表现主义的一些技法，创造了泼墨画法；李可染受西洋画启发，直接写生，创作场景。吴冠中用中国画的工具材料和西方现代艺术的形式和观念来表现中国画的传统诗意和境界，取得了重要的成就。
随着时代的变迁，中国画从文人贵族自娱自乐的贵族艺术变成了“人民的艺术”，从过去的象牙塔变成了十字路口。中国画在题材和内容上都发生了深刻的变化。画家们把目光投向社会现实，创作了一大批具有时代特征的优秀作品。
20世纪中国画的创新与传承
1919年爆发的五四运动，高举新文化运动反对封建文化的旗帜。在美术领域，崇尚创新的艺术家们响应新文化运动的号召，通过改造国画，创造出符合时代需要的新美术。在这一变化过程中，一些艺术家积极引进西方艺术的素描和写实方法，在世纪初形成了学习西画和创办艺术学校的热潮。“中国画写实转型”主要针对明清文人水墨画的变化，模拟古人的笔法，缺乏新的创造。将徐悲鸿为代表的现实主义画家的作品与古代画家的作品进行比较，可以部分了解这种变化的特点。
原因
封建社会后期，旧文人画家沉浸在对古人笔墨的模仿中，日益脱离社会生活。这种保守的状况限制了画家对时代生活和个人情感的表达。与徐悲鸿同为20世纪新艺术改革先驱的林风眠，从突破传统笔墨公式的角度出发，大力提倡写生，主张弱化“写”的用笔方法，突出“画”的自由表现特征，试图在中西绘画之间学习一条新的创作道路。他被推崇为“中西合璧”的代表人物。
改革
20世纪求变的中国艺术家更注重对具体图像特征的深入描述，突出个人对自然景物的感受表现。这些创新性的探索，如同当时中国新文学创作所倡导的“白话”和“自由诗”一样，开创新局面，开辟了与五四新文化精神相呼应的中国新艺术改革之路。
在20世纪20年代和30年代，画家们就中国画的创新和发展进行了辩论。比如康有为提出“以复古为创新”、“中西合璧为新时代”的思想；徐悲鸿主张“善古法者当守之，拒斥者当续之，不善者当改之，不足者当增之，能取西画者当融之”；刘海粟提出要“发展东方固有的美术，研究西方艺术的精英”；林风眠主张“调和中西艺术，创造时代艺术”；陈师曾积极分析和回答了文人画的特点和意义。林纾则反对创新，号召人们鄙视“新洋学”，只以“古意为宗”；金城则极力主张:“传圣明之法，不可忘，承旧章。”20世纪40年代末、50年代，人们曾有一场关于素描能否作为中国画造型基础，以及如何看待笔墨技巧和各种新国画的讨论。20世纪80年代中期，在改革开放和现代化建设快速变化的社会环境中，中国画如何创新以适应时代的审美需求，在理论和实践上进行了深入的探讨。
新时期
有着千年传统的中国画在20世纪经历了变革的历程。在“中西融合”和“借古创今”两大创新追求的驱动下，产生了历史上前所未有的多种新风格，以独特的现代品格屹立于当代世界艺术之林。
[编辑本段]中国画的分类
中国画分类概况
中国古代绘画分门别类的观点
十扇门
中国画术语。中国画分为六大分支，即人物、房屋、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋宣和花圃分为十门，即道士门、字门、宫门、扇门、龙鱼门、山水门、兽门、花鸟门、朱墨门、菜门。南宋邓椿的《画随》分为八大类(门)，即神仙、佛、鬼神、人物传记、山水、林石、花卉、竹羽、禽兽、虫鱼、房屋、树木、船车、瓜果、蔬草、小型杂画。参见《十三家》。
十三个家庭
国画术语。中国画分为六大分支:张彦远《唐代历代名画实录》；北宋《宣和画谱》分十支；南宋邓椿的绘画沿袭分为八大类。元代东塘《画鉴》说:“世俗画师十三支，以山川为始，以界画为基。”明代陶《降农录》中的“画工十三科”有:“佛菩萨、玉帝道观相、金刚神鬼、罗汉圣僧、风云龙虎、古人、全山林、花竹羽、野骡禽兽、人用、界画楼台、万物独尊、农织、雕嵌青。”
论当代中国画的分类
当代中国画在世界艺术领域自成体系。按其题材和表现对象，大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、羽毛、动物、昆虫、鱼类等。按表现方法分，有工笔、写意、勾、设色、水墨画等技术形式，设色又可分为金玉、大小绿松石、无骨、泼彩、淡色、浅绛等几种。主要利用线条和墨色的变化，以勾、点、染、浓、淡、干、湿、阴、阳、向、回、虚、实、疏、密、空来描绘形象和经营场所；视图布局，视野开阔，不局限于焦点透视；按表现形式分，有壁画、屏风、卷轴、画册、扇子等框架形式，辅以传统装裱技法。根据表现的材料和方法，可以细分为水墨画、重彩、淡绛、工笔、写意、线描。中国画的形式多种多样，有长卷(又称手卷)和横帷、条幅和中堂、画册页和斗方、折扇和扇上画的团扇等。
中国画的代表类型
人物画
(1)人物画的历史进程；
以人物为主体的绘画的总称。中国人物画历史悠久。据记载，商周时期就有壁画。东晋顾恺之专事人物画，中国绘画在世界上第一个提出“以形写神”的思想。唐代颜也擅长人物画。还有吴道子，韩沃等等。为人物画做出了杰出的贡献。唐朝以后画人物画的画家多了，历代都有。
徐悲鸿《泰戈尔画像》中国人物画是中国画的一大分支，出现的时间比山水画和花鸟画都要早。一般可分为道教画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画。人物画力求把人物的性格刻画得栩栩如生，气韵生动，形神兼备。他生动的手法往往体现在环境、气氛、人物、动态渲染中对人物性格的表现。所以中国画在理论上也叫“传神”。历代著名的人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》、唐代的《文远图》、五代南唐顾的《韩熙载夜宴图》、北宋李的《魏墨》、南宋的《采薇图》、李白兴的《吟图》、元代梁楷的《杨竹溪》。到了近代，强调“师法”，吸收西方技法，在造型和色彩分配上有所发展。
(2)肖像与人物画的表现:
要想画好人物画，不仅要继承传统，还要了解和研究人物的基本造型、比例、解剖结构和人体运动的变化规律，从而准确地塑造和表现人物的造型和精神。表现人物的方式有几种，各有千秋，如:线描、交叉填充、泼墨、交叉染色等。
风景画
(1)山水画的历史进程；
以山水自然风光为主体的绘画。山水画(俗称山水画、山水画或水墨画)是一门历史悠久的专门艺术学科。魏晋南北朝时期山水画逐渐发展，但仍依附于人物画，多以人物画为背景。独立始于隋唐，如詹子谦的彩山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水。五代北宋时期，山水画出现了众多的作者，如郝静、管同、李成、董源、巨然、范宽、徐道宁、严文贵、宋涤、王诜、米芾、米友仁等，青绿山水画达到了一个高峰。自唐代以来，每个时期都有著名的画家，他们专门研究山水画。虽然他们的人生经历、品质、学校、方法不同；但大家都可以用笔墨、用色、用技巧，灵活操作，细致描绘，这就是自然风光之美，欢天喜地的跃上纸面，买一样，雄伟典雅。元代山水画趋于写意，以虚为实，重在笔墨神韵，开创一种新的风格；明清及近代，不断发展，面貌焕然一新。表演中要注意业务立场和意境。传统的方法有水墨画、绿松石、金碧辉煌、无骨、浅绛、淡色等。
(2)山水画的构图:
山水画的构图包括:山、水、石、树、宅、屋、梯田、船、桥、风、雨、阴、晴、雪、太阳、云、雾，春夏秋冬的气候特征。
(3)山水画的主要代表人物:
◆绿色景观
一种山水画。以矿物石青和石绿为主色调的山水画。有大绿松石和小绿松石。前者勾多，笔画少，着色性强，装饰性强；后者是以水墨的浅色为主。清代张庚说:“画与画，自古皆彩青。”元代东塘说:“李思训画山水，以金玉映之，为家法。”南宋时期，有两个赵王朝(伯居、伯君)，以青绿山水著称。中国的山水画首先是彩画，其次是水墨画。色码画中，先有重色，后有淡色。
◆淡深红色风景
蔡浅绛山水画是山水画的一种。在水墨勾染的基础上，铺设以赭石为主色调的浅色山水画。《芥子园传》说:“黄如玉石面，色以赭石为佳，施之浅，有时用赭石笔勾勒。王孟頫以赭石、藤黄画山水，其山似松草画，再以赭石出，有时不着色，只用赭石画山水中的人脸、松皮。”这种设色特色始于五代东元，盛于元代黄，又称“吴庄”景观。
◆金碧景观
中国绘画颜料中的泥金、石青和石青。凡是以这三种颜料为主色调的山水画，都叫“金蓝山水”，比“绿山水”多了泥土和黄金。泥金一般用于勾染山形轮廓、石纹、斜坡、沙嘴、彩霞、宫殿、亭台楼阁等建筑。但明代唐的《画事略论》持另一种观点:“盖金玉者:石为青，即青绿山水也。后人不重视，但泥金被称为金笔山水。丈夫以金银之名，真是可笑！”
中国毛笔绘画
一种中国画。指纯水墨作的画。有三个基本要素:简单、象征和自然。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代继续发展。以笔法为主导，充分发挥水墨画的功能。“墨即色”，指的是墨的浓淡变化是颜色的层次变化，“墨即彩”，指的是可以用多层次的墨色度来代替多彩的颜色。北宋沈括《图宋》云:“江南东原传至巨然，淡墨淡青为一。”也就是水墨画。唐宋人用湿笔画山水，有“水昏墨印”之效。元代人开始使用干笔，墨色变化较多，有“同时出彩”的艺术效果。唐代王维提出“水墨画为上”，后人纷纷效仿。水墨画在中国绘画史上一直占据着重要的地位。
宫廷装饰画
简称“院体”、“院画”，是中国画的一种。一般指宋代翰林画院及其后期宫廷画师的画作。也有专指南宋画院的作品，或泛指模仿南宋画院风格的非宫廷画师。这类作品主要以花鸟、山水、宫廷生活和宗教内容为主，以适应朝廷的需要。他们讲究法度，形神兼备，风格华丽细腻。因为时代不同，画家专长不同，所以他们的绘画风格也不同，各有特色。鲁迅先生说:“宋的院体画要放弃柔弱温婉，细致入微的方面是可取的。”以张权、江宏伟、贾广健、赵北新、回宇为代表的现代中青年画家为现代学院绘画的发展做出了一定的贡献。
文人绘画
又称“师傅画”。一种中国画。泛指中国封建社会文人墨客所作的画。与宫廷画院的民间画师和专业画师的绘画不同，北宋苏轼提出“文人画”，明代董其昌推崇“文人画”，以王维为创始人，是南宗的始祖(见《南北宗》)。但在旧时代，它常常被用来抬高文人阶层的绘画艺术，轻视民间画家和机构画家。唐代张彦远曾在《历代名画笔记》中说:“自古善画者，不衣冠飘逸，而优于他人，非颜所能及。”这句话影响深远。现代陈衡恪认为“文人画有四个要素:人品、学识、才情、思想，有了这四个要素，就可以完善。”通常“文人画”以山水、花鸟、梅花、竹、菊、木石等为题材。，从而表达“精神上的精神”或个人的野心，有时也包含着对民族的压迫的感情或对腐朽政治的怨恨。他们推崇“士气”和“一品”，崇尚藻趣，讲求笔墨趣味，摆脱雷同，强调神韵，非常重视文学书法的修养和绘画意境的创造。姚茫父的《中国文人画学序》曾有很高的评价:“唐王祐成(魏)助诗入画，然后由笔生趣，法随意变。不必说宫商，山山皆韵，义不必比繁华。”历代文人画对中国画的美学思想和水墨画、写意等技法的发展都有相当大的影响。
漫画；喜剧演员
水墨画在立意上具有漫画的特点，题材广泛，有讽刺的，也有赞美的，但使用了中国传统的水墨画技法，同时又不失典雅。与普通漫画相比，水墨漫画更具观赏价值。它的出现扩大了漫画的表现形式、观赏领域和品种。中国水墨漫画也出现了很多优秀的作者，如丰子恺、华、、韩愈、方成、、毕克观、、姜文炳、何伟、常铁军、、白山城等人，也涌现出了很多优秀的作品。
花鸟画
(1)花鸟画的历史进程
魏晋南北朝以前，花鸟作为中国艺术的对象，总是以图案和装饰的形式出现在陶器和青铜器上。在当时，花鸟和一些动物具有神秘的意义和复杂的社会含义。人们把它描绘成艺术范围内的一种表达，而是通过它们来传达社会的信仰和君主的意志，艺术的形式只是从属于内容的需要。
早期人类对花鸟的关注是花鸟画的温床。据史料记载，魏晋南北朝时期出现了许多独立的花鸟画，如顾恺之的《雁水鸟图》、施道硕的《鹅图》、陆探微的《半鹅图》、顾的《蝉雀图》、钱媛的《苍梧图》、丁光的《蝉雀图》、萧艺的《鹿图》等。虽然现在看不到这些原作，但从其他人物画的背景可以知道，当时的花鸟画已经有了相当高的水平，比如顾恺之的《洛神赋》中的鸟。
墨僧写意花鸟画这个时期画的花鸟比较多，因为往往和神话有关，有的甚至是神话中的主角。比如玉兔，太阳里的太阳，月宫里的蛤蟆，还有青龙，白虎，朱雀，玄武，代表四个方向。总的来说，花鸟画在唐代成为一个独立的分支，属于花鸟范畴的鞍马在这一时期取得了很高的艺术成就。现在，韩干的《赵晔白》、韩寒的《五牛图》和的《半牛图》都表明这一题材具有很高的艺术水平。
曹巴、陈洪的鞍马，冯绍正画的鹰，薛基画的鹤，魏延画的龙，边鸾、滕长友、刁光银画的花鸟，孙伟画的松竹，不仅阵容强大，而且各有佳作。比如雪霁画鹤，杜甫写诗称赞:“龚雪十一只鹤都写青田镇。画了很久的颜色，苍白却依然出尘。意气风发而兴趣盎然，坦荡坦诚如长人。”
(2)花鸟画的画法
花鸟画的画法大致可以分为两类:工笔花鸟画；写意花鸟。昆虫也可以分为工作和写作。表现方法有:线描(又称双钩)、素描、填充、去骨、泼墨等。他像山川一样，源远流长。花鸟画的学习步骤无非就是临摹、写生、创作。主题有:竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等。鸟类有:鸡、鹅、鸭、鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、鹰；昆虫包括鹦鹉、蝴蝶、凤凰、蜻蜓和蝉，杂项昆虫包括蛞蝓、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛和蜘蛛。
新文人画
新文人画，或“中国的新文人画”，是指20世纪80年代末90年代初出现在中国艺术界的一种文化现象。
从65438年到0996年，北京画家边平山在边平山先生的“平山书屋”里，经常和福州画家王和平、河北画家北瑜见面聊天。因为在艺术见解和追求上有很多相似之处，所以萌发了开展中国画联展的想法。后来与南京画家王孟奇、方骏商定，由天津画家霍春阳在天津美术学院展览馆举办这次展览，这就是“新文人画”的开始。
后来，朱新建、刘二刚、王勇、徐乐乐、朱道平、陈平、田黎明、江宏伟等全国各地的画家纷纷响应，加入进来，成为在全国很有影响的文化现象。“新文人画”、“85新潮”、“明星艺术展”成为八九十年代中国美术史上辉煌的一页。
[编辑本段]中国画的特点
造型特点和表现方法
中国画在观察理解、形象塑造、表现技法等方面体现了中华民族的传统哲学和美学。在观察和认识客观事物上，采用以小见大、以小见大的方法，在活动中观察和认识客观事物，甚至直接参与事物，而不是局部亮相或局限于某一固定点。它渗透到人们的社会意识中，从而使绘画具有了“孤独千年，学画”的认知功能和“以恶警示世界，以善昭示未来”的教育功能。即使是山水、花鸟等纯自然的客观事物，在人们的观察、理解和表现中，也是有意识地与人们的社会意识和审美感受联系在一起的。他们借景抒情，托物抒怀，体现了中国人“天人合一”的观念。
中国画讲究立意，讲究立意写作和形象思维，讲究主客观艺术形象的统一。造型不局限于表面的相似，而是强调“美在相似与相异之间”和“相异”。它的形象塑造旨在传达对象的表情和情感以及画家的主观感受。所以我们可以舍弃那些不本质的或者和形象特征联系不大的部分，那些能体现五官的部分可以通过夸张甚至变形来刻画。
在构图上，中国画强调管理。它不是以固定的空间或时间为基础，而是以灵活的方式打破时间和空间的限制，根据画家的主观感受和艺术创作规律，将不同时空的物体重新组合，在画家心目中构建一个时空境界。于是，雨雪、四季、古今人物都能出现在同一幅画中。所以在透视上，不局限于焦点透视，而是采用多点或分散透视，上下或左右移动，前后移动，观物取景，管理构图，具有很大的自由度和灵活性。同时，在一幅画的构图中，要注意虚实对比，强调“疏而易动”、“密不透风”，虚中有实，实中有实。中国画，以其独特的笔墨技巧，以物象和表现感情的手段，以点、线、面的形式描绘物象的形态、骨骼、肌理、明暗和情态神韵。这里的笔墨既是一种对象，一种表现感情的技巧，也是一种对象的载体。同时又是意味深长的形式，其痕迹体现了中国书法的意趣，具有独立的审美价值。因为不是很像物体的表面，国画可以用全黑水墨，也可以用色彩或墨色组合来描绘物体。后来水墨比重越大，现在甚至有人把中国画叫做水墨画。所用的墨分五色，以调节水量、笔画的快慢和长短的不同，导致了笔墨技巧的千变万化和明暗色调的丰富多变。同时，墨也可以与色结合，但墨不碍色，色不碍墨，形成了墨色互补的多样性。而在以色彩为主的中国画中，强调“随类设色”的重点是对象的固有色彩，光源和环境色彩并不重要，一般不予考虑。但是对于一些特殊的需求，有时候我们可以大胆的使用一些夸张或者假设的颜色。中国画，尤其是文人画，在创作上强调书画同源，注重画家的个人品格和修养。强调诗、书、画、印在具体作品中的有机结合，通过在画面上写诗、题跋来表达画家对社会、生活、艺术的理解，不仅起到深化主题的作用，也是画面的有机组成部分。