速写:用简洁的线条和快速准确的观察来简要描述物体的姿态、形体、动作等特征的一种画法。培养画家敏锐的观察力，快速把握对象特征的概括，是重要的绘画方法，也是记录生活、积累创作素材的重要手段。工笔画:唐代开始流行。所以，之所以能取得杰出的艺术成就，一方面在于绘画技法的成熟，另一方面在于绘画材料的提高。工笔画必须画在用明矾处理过的丝绸或宣纸上。初唐时期，丝绸材料的改进在一定程度上促进了工笔画的发展。据米芾《画史》记载:“绢生于古画，至初唐，至吴声、周、汉沃，已半熟。后来热汤煮，粉打如银板，冒充人物，文笔辉煌。”一般来说，工笔画需要先画出底稿，一份完整的底稿需要反复修改才能定稿。然后用宣纸或胶矾绢覆盖，先用小笔勾勒，再随类上色，逐层渲染，达到形神兼备的艺术效果。比如陈之佛的秋天照片。写意:就是用简练的笔法描绘景物。大写意多画在宣传画上，一笔一竖，墨色飞扬。与工笔画相比，写意更能体现所描绘景物的魅力，更能直接表达作者的感情。写意是在长期的艺术实践中逐渐形成的，其中文人参与绘画对写意的形成和发展起到了积极的作用。相传在唐代，因其诗画俱佳，后人称其画为“画中之诗，诗中有画”，他“改画之道”，以“淡墨清笔”创造了碎墨山水。董其昌尊他为“文人画”之祖。五代时，先以墨色书写花卉的枝叶，再以淡色略画，创造了徐体的“滴墨法”。之后，文同推动了宋代“四君子”的画风，梁麟开启了明代“院式”的新画风，沈周善用重墨淡色，陈柏扬强调写实水墨淡色，徐青藤更是天马行空，天马行空。经过长期的艺术实践，写意进入了全盛时期。八大以后，石涛、李、吴昌硕、齐白石等，写意是现在影响最大、流传最广的绘画方法。写意崇尚神似。董其昌说:“写意是画山水最好的方法。这是什么？当造型和质量完美的时候，就没有魅力；若有异色，则无笔法。”明代徐渭的《题画诗》也说:“我们不要看起来像是一首生存的韵文，而要照着一切手指去剪。中国画用墨:是中国画的基本技法。画家们历来重视笔墨的运用，写意的兴起和生活宣传的普遍应用，笔墨的运用成为中国画的基本特征。中国画用墨主要是运用墨色变化的技巧。由于笔内墨水含量的不同，由干变湿，由浓变淡。以墨代色，产生了墨分五色的说法。张汤颜渊《历代名画笔记》说:“墨以五色运。“五色即焦、浓、重、淡、清，每一种墨色都有干、湿、浓、淡的变化，这就是中国画墨的奇妙之处。另外，还有一种说法是墨分六色。清代唐岱在《画事略》中说:“墨色之中，分六色。什么是六色？黑、白、干、湿、浓、淡。”又有云:“墨有六色，使黑白不分，无阴阳明暗；“干了又湿，没有绿色和美丽；树荫不是花瓣，也没有凹凸和距离。”中国画水墨色彩变化的丰富程度可想而知。没有改变的墨色必然是暗淡无光的，成为毫无生气的死画。画家的成功往往离不开用墨的技巧。比如齐白石画虾，所以妇孺皆知。一个重要的原因就在于用墨得当。他把虾画了三遍:“刚开始只是稍微有点像，一旦成了真，然后就越来越暗，越来越淡。”如今，我们在他的作品中看到的是栩栩如生的虾壳，透明而坚韧，尤其是虾的头部。在头骨墨迹淡的地方，一片浓墨就是虾脑，真是妙不可言。中国画用墨的技巧不是体现在调色盘里能调出多少种墨色，而是如何让不同的墨色体现在纸上，尤其是如何让一支笔产生各种墨色变化。随着中国画的不断发展，用墨的技巧也越来越成熟，产生了“泼墨”、“积墨”、“断墨”等各种表现手法。国画色彩:中国的绘画历来非常注重色彩的运用。南齐谢赫在《古画目录》中把“随类上色”列为“六法”之一。这种不同的色彩赋予不同类型的图像的理论是中国画色彩使用的基础。中国画讲究“以类设色”，但也非常重视空间环境对物象的影响。随着空间环境对物体的影响，空间环境的变化，物体的颜色也会发生相应的变化。萧艺在南北朝时期对这一现象作了细致的观察，在《山河松石歌》中说:“秋发族骨，夏吟春影，寒碧，暖日星凉。”这是中国最早对季节和气候差异的解释，所以造成了物体的颜色变化，尤其是冷暖色的变化。宋代郭的《林·高泉志》总结了季节变化对水色、天空的影响:“水色:春绿、毕夏、秋青、克黑；天空:春摇，夏淡，秋清，欲言又止。”清代唐岱引用郭的话说:“山有四季之色，风雨晦，变化各异。它们的颜色不像它们的外表。所谓春山明如笑，夏山绿如滴，秋山明如光，冬山萧瑟如眠。这也是四季的精神。”可见中国画的设色要结合物体固有的颜色和环境变化的影响来考虑。