中国传统绘画的主要类型。从艺术史的角度来看，民国以前的中国画统称为古画。中国画在古代没有明确的名称，一般称为丹青，主要指画在绢、宣纸、绢上并装裱的卷轴画。近代以来称为中国画，区别于从西方传入的油画(又称西洋画)等外国绘画。它是由中国独特的笔墨和颜料，按照长期的表现形式和艺术规律创造的绘画。中国画按其材料和表现方法可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔画、写意和线描。按其题材分，有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的形式多种多样，有长卷(又称手卷)和横帷、条幅和中堂、画册页和斗方、折扇和扇上画的团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上反映了中华民族的社会意识和审美情趣，体现了中国人对自然、社会和与之相关的政治、哲学、宗教、道德、文学、艺术的认识。
中国画和西洋画(丰子恺)
东西方文化根本不同。所以艺术的表现也是不一样的。大概东方艺术强调主观，西方艺术强调客观。东方艺术是诗意的，而西方艺术是戏剧性的。所以在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者相比，有以下五点不同:
(1)中国画线条饱满，西画线条不显著。大部分线条不是原物，而是画家用来表现两个物体的境界。比如国画，画一条蛋形的线代表一个人的脸。事实上，人的脸部周围并没有这样的线条。这条线是脸部和背景的分界线。再比如画一条尺子线代表一个人的鼻子。其实鼻子上是没有这条线的。这条线是鼻子和脸的分界线。再比如山水、花卉等。物体中没有线条，画家却用线条。景观中的线条特别命名为“巧发(巧发；西方绘画简史)。而后印象主义之前的西方绘画都是不起眼的。
(2)中国画不讲究透视，西洋画很讲究透视。透视是三维物体在平面上的表现。西洋画力求和实物一样简单，所以非常注重透视。看看西洋画里的街道，房子，家具，器皿等等。形状都没错，但是和真品一样。如果你描述走廊，你可以用几英寸显示几英尺的距离。如果画铁路的正面(从铁路的中间往外看)，实际上可以用几英寸来表示英里的距离。而中国画则不乐于画有明显立体感的东西，如街道、房屋、家具、器皿等，而乐于写远看像自然扁平物的云、山、树、瀑布等。偶尔描写房子物件，不注意透视，随意性大。比如画庭院深处的场景，弯弯的楼道新房，仿佛是在半空中飞翔时看到的；而且有一段时间没看到，但是它在飞来飞去，上上下下，我看了好几次。所以国画的手卷，山川绵延数十尺，仿佛是在火车上看到的。中国画的站立，山川重叠，仿佛在平面中看到。因为在中国绘画和诗歌是一样的，想画哪里就画哪里，不能被透视束缚。所以中国画透视有时候是不对的。但如果这是一个错误也没关系。我们不能用西画的规则来批判中国画。
(3)东方人物画不讲解剖，西方人物画重视解剖。解剖学是对人类骨骼肌的表达形状的研究。西方人在画人物之前必须学习解剖学。这个解剖学的英文名是《艺术生解剖学》，即艺术解剖学。所以和生理解剖学家不一样。生理解剖学侧重于人体各部分的结构和功能，艺术解剖学侧重于表现形态。然而，记住骨骼和肌肉的名称及其各种异常形状是一种艰难的学习。但是西方画家必须学习。因为西画讲究写实，所以一定要像真实的人体一样去描绘。但是中国人物画画家从来不需要这种知识。中国人画人物只是为了表现他们体态的特点，但他们不谈人物各部分的大小和比例。所以国画里的男人看起来怪怪的，古灵精怪的，头也不叫。女人是飞蛾，是眉毛，是嘴唇，是肩膀。如果你脱下这些角色的衣服，他们会看起来很可怕。但这不仅无害，也是中国画的好处。国画有很强的欲望印象，所以扩大了人物的特点，让男人更雄伟，女人更美丽，充分表现了人物的性格。所以不用写实，用象征的方法。不要寻求相似，但上帝的相似。
(4)中国画不强调背景，西洋画强调背景。国画不强调背景，比如写梅花，挂在空中，周围白纸。写人物，独自悬在空中，仿佛骑着云。所以国画的画纸留了很多留白。一张很长的纸，下面有一棵蔬菜或一块石头，就成了一张纸。西洋画不是这样的。凡事必有背景。比如它是一个东西，它的背景就是一张桌子。背景是室内或室外的人。所以，所有的图都填好了，不留空白。中国画和西洋画的这种区别，也是因为写实和传神的区别。西洋画强调写实，所以必须描绘背景。国画强调传神，所以必须删掉题材琐碎、特写的强明才能打动人。
(5)东方绘画的题材主要是自然，西方绘画的题材主要是人。汉代以前，中国画也是以人物为主要题材。但是到了唐代，山水画就独立了。直到今天，山水往往是中国画的常态。自希腊时代以来，人一直是西方的主旋律。中世纪的宗教画多以群众为题材。比如最后的审判，死亡的胜利等等，一幅画里面有无数的人。直到19世纪才有了独立的山水画。山水画独立后，人物画并未让位，裸体画至今仍是西方绘画的主旋律。
以上五点就是中国画和西洋画的区别。由此可见，中国画趣味性高，西洋画简单。所以对于艺术研究来说，西洋画不如中国画深刻。为了让人们欣赏，中国画不像西洋画那样常见。
中国画的分类
中国画在世界艺术领域自成体系。根据表现对象，大致可以分为；人物、山水、界画、花卉、瓜果、羽毛、动物、昆虫、鱼类等。按表现方法分，有工笔、写意、勾绘、设色、水墨画等技法，设色又可分为金玉、大小绿松石、无骨、泼彩、淡色、浅绛。主要利用线条和墨色的变化，以勾、点、染、浓、淡、干、湿、阴、阳、向、回、虚、实、疏、密、空来描绘形象和经营场所；视图布局，视野开阔，不局限于焦点透视；按表现形式分，有壁画、屏风、卷轴、画册、扇子等框架形式，辅以传统装裱技法。人物画从周后期到汉魏六朝逐渐成熟。山川、花卉、鸟兽画等。直到隋唐才形成独立的绘画学科。五代两宋诸子争奇斗艳，水墨画大行其道，山水画成为一大分支。文人画在宋代有所发展，但到元代达到鼎盛，画风趋于写意。明清和近代继续发展，越来越重视表达思想，畅通心灵。魏晋南北朝、唐代、明清时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。国画强调“外教之性，中国之心源”，要求“意为先存笔，画为尽力”，强调融物，创造意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动的目的。因为书画同源，又都与骨法、线条的操作密切相关，所以书画篆刻相互影响，形成了显著的艺术特色。绘画的工具材料是中国特制的笔、墨、纸、砚、绢。现代中国画在继承传统和吸收外来技法中有所突破和发展。
◆水墨
一种中国画。指纯水墨作的画。有三个基本要素:简单、象征和自然。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代继续发展。以笔法为主导，充分发挥水墨画的功能。“墨即色”，指的是墨的浓淡变化是颜色的层次变化，“墨即彩”，指的是可以用多层次的墨色度来代替多彩的颜色。北宋沈括《图宋》云:“江南东原传至巨然，淡墨淡青为一。”也就是水墨画。唐宋人用湿笔画山水，有“水昏墨印”之效。元代人开始使用干笔，墨色变化较多，有“同时出彩”的艺术效果。唐代王维提出“水墨画为上”，后人纷纷效仿。水墨画在中国绘画史上一直占据着重要的地位。
◆庭院绘画
简称“院体”、“院画”，是中国画的一种。一般指宋代翰林画院及其后期宫廷画师的画作。也有专指南宋画院的作品，或泛指模仿南宋画院风格的非宫廷画师。这类作品主要以花鸟、山水、宫廷生活和宗教内容为主，以适应朝廷的需要。他们讲究法度，形神兼备，风格华丽细腻。因为时代不同，画家专长不同，所以他们的绘画风格也不同，各有特色。鲁迅先生说:“宋的院体画，要舍弱取柔，细致入微方面可取。”以张权、江宏伟、贾广健、赵北新、回宇为代表的现代中青年画家为现代学院绘画的发展做出了一定的贡献。
◆文人画
又称“师傅画”。一种中国画。泛指中国封建社会文人墨客所作的画。与宫廷画院的民间画师和专业画师的绘画不同，北宋苏轼提出“文人画”，明代董其昌推崇“文人画”，以王维为创始人，是南宗的始祖(见《南北宗》)。但在旧时代，它常常被用来抬高文人阶层的绘画艺术，轻视民间画家和机构画家。唐代张彦远曾在《历代名画笔记》中说:“自古善画者，不衣冠飘逸，而优于他人，非颜所能及。”这句话影响深远。现代陈衡恪认为“文人画有四个要素:人品、学识、才情、思想，有了这四个要素，就可以完善。”通常“文人画”以山水、花鸟、梅花、竹、菊、木石等为题材。，从而表达“精神上的精神”或个人的野心，有时也包含着对民族的压迫的感情或对腐朽政治的怨恨。他们推崇“士气”和“一品”，崇尚藻趣，讲求笔墨趣味，摆脱雷同，强调神韵，非常重视文学书法的修养和绘画意境的创造。姚茫父的《中国文人画学序》曾有很高的评价:“唐王祐成(魏)助诗入画，然后由笔生趣，法随意变。不必说宫商，山山皆韵，义不必比繁华。”历代文人画对中国画的美学思想以及水墨画、写意等技法的发展都有相当大的影响。
◆画进去十个门。
中国画术语。中国画分为六大分支，即人物、房屋、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。北宋宣和花圃分为十门，即道士门、字门、宫门、扇门、龙鱼门、山水门、兽门、花鸟门、朱墨门、菜门。南宋邓椿的《画随》分为八大类(门)，即神仙、佛、鬼神、人物传记、山水、林石、花卉、竹羽、禽兽、虫鱼、房屋、树木、船车、瓜果、蔬草、小型杂画。参见《十三家》。
◆十三个家庭
国画术语。中国画分为六大分支:张彦远《唐代历代名画实录》；北宋《宣和画谱》分十支；南宋邓椿的绘画沿袭分为八大类。元代东塘《画鉴》说:“世俗画师十三支，以山川为始，以界画为基。”明代陶《降农录》中的“画工十三科”有:“佛菩萨、玉帝道观相、金刚神鬼、罗汉圣僧、风云龙虎、古人、全山林、花竹羽、野骡禽兽、人用、界画楼台、万物独尊、农织、雕嵌青。”
◆漫画
水墨画在立意上具有漫画的特点，题材广泛，有讽刺的，也有赞美的，但使用了中国传统的水墨画技法，同时又不失典雅。与普通漫画相比，水墨漫画更具观赏价值。它的出现扩大了漫画的表现形式、观赏领域和品种。中国水墨漫画也出现了很多优秀的作者，如丰子恺、华、、韩愈、方成、、毕克观、、姜文炳、何伟、常铁军、、白山城等人，也涌现出了很多优秀的作品。
根据性能对象
◆人物画
一种画。以人物为主体的绘画的总称。中国的人物画，简称“人物”，是中国画的一大分支，出现的时间早于山水画和花鸟画。一般可分为道教画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画。人物画力求把人物的性格刻画得栩栩如生，气韵生动，形神兼备。他生动的手法往往体现在环境、气氛、人物、动态渲染中对人物性格的表现。所以中国画在理论上也叫“传神”。历代著名的人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》、唐代的《文远图》、五代南唐顾的《韩熙载夜宴图》、北宋李的《魏墨》、南宋的《采薇图》、李白兴的《吟图》、元代梁楷的《杨竹溪》。到了近代，强调“师法”，吸收西方技法，在造型和色彩分配上有所发展。
◆山水画
简称“山水”。一种中国画。以山水自然风光为主体的绘画。魏晋南北朝逐渐发展，但仍依附于人物画，多作为背景使用。独立始于隋唐，如詹子谦的彩山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水。五代北宋时期，山水画出现了众多的作者，如郝静、管同、李成、董源、巨然、范宽、徐道宁、严文贵、宋涤、王诜、米芾、米友仁等，青绿山水画达到了一个高峰。从此成为中国画的一大绘画题材；元代山水画趋于写意，以虚为实，重在笔墨神韵，开创一种新的风格；明清及近代，不断发展，面貌焕然一新。表演中要注意业务立场和意境。传统的方法有水墨画、绿松石、金碧辉煌、无骨、浅绛、淡色等。
◆绿色景观
一种山水画。以矿物石青和石绿为主色调的山水画。有大绿松石和小绿松石。前者勾多，笔画少，着色性强，装饰性强；后者是以水墨的浅色为主。清代张庚说:“画与画，自古皆彩青。”元代东塘说:“李思训画山水，以金玉映之，为家法。”南宋时期，有两个赵王朝(伯居、伯君)，以青绿山水著称。中国的山水画首先是彩画，其次是水墨画。色码画中，先有重色，后有淡色。
◆淡深红色风景
一种山水画。在水墨勾染的基础上，铺设以赭石为主色调的浅色山水画。《芥子园传》说:“黄如玉石面，色以赭石为佳，施之浅，有时用赭石笔勾勒。王孟頫以赭石、藤黄画山水，其山似松草画，再以赭石出，有时不着色，只用赭石画山水中的人脸、松皮。”这种设色特色始于五代东元，盛于元代黄，又称“吴庄”景观。
◆金碧
中国绘画颜料中的泥金、石青和石青。凡是以这三种颜料为主色调的山水画，都叫“金蓝山水”，比“绿山水”多了泥土和黄金。泥金一般用于勾染山形轮廓、石纹、斜坡、沙嘴、彩霞、宫殿、亭台楼阁等建筑。但明代唐的《画事略论》持另一种观点:“盖金玉者:石为青，即青绿山水也。后人不重视，但泥金被称为金笔山水。丈夫以金银之名，真是可笑！”
◆绿松石
中国画颜料中的蓝晶石和绿松石。也指以这两种颜料为主色的着色法。清代王逸说:“设色青涩，体要严肃，气要淡清，劲在浓淡。你用了三十多年才悟出青彩法，开始精彩了。”云也说:“青绿为重色，厚而易，浅而难，浅而不深，尤难见厚。”.....运气空和，风雅淡雅，纤中，灵气隐隐。越轻越厚。所谓华丽还是自然，其中一幅画变了。"(《瓯香亭画后记》)阐述了青色设色的要旨。参见“绿色景观”。
◆花鸟画
一种中国画。北宋的《宣和花谱》。《论花鸟》说:“诗人有六义，更知鸟兽芳草之名，亦记其历四时之盛衰，故画之美在此更有趣，与诗人不同。”历代花鸟画家很多，如唐代《雪霁》中的鹤、《边鸾》中的孔雀、《刁光印》中的花竹。五代郭的鹰，黄泉的花鸟；北宋赵昌的花，翠柏的鸟，吴的花鸟；南宋吴冰的枝，林春的花与果，李娣的鸟；元代李理的《竹》，张守中的《鸳鸯》，王冕的《梅》；明代梁麟的鸟，陈淳、徐渭的墨花；清代的鱼，云的莲，华喦的鸟；现代的吴昌硕，花都等等，都是一代名花。参见“四君子”。
◆新文人画
新文人画，或称“中国的新文人画”，是指20世纪80年代末90年代初中国艺术界出现的一种文化现象。
从65438年到0996年，北京画家边平山在边平山先生的“平山书屋”里，经常和福州画家王和平、河北画家北瑜见面聊天。因为在艺术见解和追求上有很多相似之处，所以萌发了开展中国画联展的想法。后来与南京画家王孟奇、方骏商定，由天津画家霍春阳在天津美术学院展览馆举办这次展览，这就是“新文人画”的开始。
后来，朱新建、刘二刚、王勇、徐乐乐、朱道平、陈平、田黎明、江宏伟等全国各地的画家纷纷响应，加入其中，成为在全国范围内极具影响力的文化现象。“新文人画”、“85新潮”、“明星艺术展”成为八九十年代中国美术史上辉煌的一页。
中国画的装裱形式
国画装裱是一项重要的工作，国画创作者和收藏者都应该了解和理解。装裱的成功与否直接关系到保存的时间和方式，装裱风格对艺术品形成了极好的衬托。
一幅完整的国画需要更加美观，便于保存、流通和收藏，所以不可能装裱。因为中国画大多是画在易碎的宣纸或丝绸物品上的。装裱，又称“装裱”、“装裱池”、“装裱背”，是我国特有的保护和美化书画题字的技术。就像西方的油画，完成后要装进精致的画框里，这样才能达到更高的艺术美感。
装裱也可以分为原始装裱和重新装裱。原画装裱就是按照装裱程序来装裱新画。重装裱是将传世的、出版在其上的字画，因原装裱不好或管理保管不好，如脱壳、受潮霉变、烂碎、虫蛀、鼠咬等原因进行装裱。装裱好的书画牢固美观，便于收藏和装饰。重新装裱的古画也会延续它的生命力。古人说:“古迹复建，贻误医疗...医生好就随意升，医生不好就随意死。”
那么国画装裱是什么程序呢？一般先用纸托裱在画的背面，再用绞、丝、纸等包边。，然后作为布局安装。传统装裱五花八门，但其成品可分为三类:挂轴、手卷、画册。无论原装裱画的大小、形状、用途如何，只有三个步骤:装裱画心、遮盖、装裱。只是画心的装裱是整个装修过程中的一个重要工序。旧书画重新装裱，难度相当大。先拆旧画，清理模具，补孔等。，然后按照新画的装裱流程重新装裱。
中国的装裱技术是随着中国绘画的历史而产生的。根据今天保存下来的史料，装裱技术早在1500年前就已出现，对粮食糊的制作、防腐、装裱纸的选用、古画的去污、修补、泛黄都有文字记载。明代周嘉写了《装饰志》，清代他学会了写《周二角》，这两部书都是中国装裱方面的专门著作。
论中国绘画史
魏晋南北朝以前，花鸟作为中国艺术的对象，总是以图案和装饰的形式出现在陶器和青铜器上。在当时，花鸟和一些动物具有神秘的意义和复杂的社会含义。人们把它描绘成艺术范围内的一种表达，而是通过它们来传达社会的信仰和君主的意志，艺术的形式只是从属于内容的需要。
早期人类对花鸟的关注是花鸟画的温床。
据史料记载，魏晋南北朝时期出现了许多独立的花鸟画，如顾恺之的《雁水鸟图》、施道硕的《鹅图》、陆探微的《半鹅图》、顾的《蝉雀图》、钱媛的《苍梧图》、丁光的《蝉雀图》、萧艺的《鹿图》等。虽然现在看不到这些原作，但从其他人物画的背景可以知道，当时的花鸟画已经有了相当高的水平，比如顾恺之的《洛神赋》中的鸟。
这一时期的花鸟画多以鸟兽为题材，因为往往与神话有关，有的甚至是神话中的主角。比如玉兔，太阳里的太阳，月宫里的蛤蟆，还有青龙，白虎，朱雀，玄武，代表四个方向。
总的来说，花鸟画在唐代成为一个独立的分支，属于花鸟范畴的鞍马在这一时期取得了很高的艺术成就。现在，韩干的《赵晔白》、韩寒的《五牛图》和的《半牛图》都表明这一题材具有很高的艺术水平。
在记载中，曹巴、陈洪的鞍马，冯绍正画的鹰，薛基画的鹤，魏延画的龙，边鸾、滕长友、刁光银画的花鸟，孙伟画的松竹，不仅阵容强大，而且各有佳作。比如雪霁画鹤，杜甫写诗称赞:“龚雪十一只鹤都写青田镇。画了很久的颜色，苍白却依然出尘。意气风发而兴趣盎然，坦荡坦诚如长人。”
中国画的艺术特征(艺术B考试相关答案)
中国，简称“国画”，是中华民族创造的历史悠久、民族特色鲜明的绘画。中国画以线为主要造型手段，讲究用笔用墨，使线、墨、色相得益彰，达到“气韵生动”的艺术效果；第二个特点是“画中有诗”；第三个特点是诗、情、画、印的融合。
国画主要是通过勾、点、染、浓、淡、干、湿、阴、阳、向、回、虚、实、疏、密、留白等方式，利用线条和墨色的变化来刻画物体和商位。视图布局，视野开阔，不局限于焦点透视。有壁画、屏风、卷轴、画册、扇子等画框形式，辅以传统装裱技艺。人物画从周后期到汉魏六朝逐渐成熟。山川、花卉、鸟兽画等。直到隋唐才形成独立的绘画学科。五代两宋诸子争奇斗艳，水墨画大行其道，山水画成为一大分支。文人画在宋代有所发展，但到元代达到鼎盛，画风趋于写意。明清和近代继续发展，越来越重视表达思想，畅通心灵。魏晋南北朝、唐代、明清时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。国画强调“外教之性，中国之心源”，要求“意为先存笔，画为尽力”，强调融物，创造意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动的目的。因为书画同源，又都与骨法、线条的操作密切相关，所以书画篆刻相互影响，形成了显著的艺术特色。