(一)教学目标
从理论上讲，任何艺术作品一旦产生就不再属于艺术家，而是属于整个社会或观众，所以不同的艺术作品在不同的社会和观众眼中会有意义和价值的差异。上节课我们已经讲了理解艺术家创作意图的重要性。这节课想说明的是，艺术家的创作意图只是我们理解艺术作品的一个方面，而不是唯一的，或者可以为我们理解艺术作品提供一些参考，艺术作品需要我们的观众给我们自己的解释。因此，本课程的教学目的是让学生认识到艺术作品的意义和价值既有绝对的一面，也有相对的一面。积极参与是艺术欣赏的前提和保证。只有这样，才能提高艺术鉴赏能力，培养审美眼光。
(二)内容结构
这节课主要包括四个部分。
第一部分从中国古代画家马援和夏圭的故事开始。作为引子，这一部分指出了他们在中国美术史上的贡献，但明朝皇帝们给出了不同的解释，说明美术欣赏不仅需要理解艺术家的意图，还需要观众对其意义和价值的判断。
第二部分“艺术作品的时代性和地域性”，讲述了艺术作品的意义和价值与其产生的时代和地域的关系，即其产生受到当时时代和地域的限制，其认识与它们密切相关。这里是罗中立的“父亲”的例子。这可以结合上一课描述的艺术家的创作意图来理解。
第三部分“如何判断艺术作品的意义和价值？”以西方历史上不同时期三位雕塑家创作的三尊大卫像为例，进一步说明艺术作品的意义和价值与时代和地域的关系，指出艺术作品的意义和价值既有绝对的一面，也有相对的一面。本文还提出了艺术创新的问题，主要是从理解艺术作品的意义和价值完整性方面。因为这个问题比较复杂，所以不进行了，只作为教学中的参考。
第四部分是“如何看待艺术作品在意义和价值判断上的差异？”是遵循上述艺术作品的意义和价值的相对方面的问题，这一部分强调个人感觉和判断的重要性，给出了不同的角度和方法来判断艺术作品的意义和价值。这些角度和方法告诉我们，艺术作品的意义和价值不是一成不变的，而是可以在各个层面上理解的，每个层面都是艺术作品意义和价值的一部分。这种解释对学生主动参与艺术欣赏有积极意义。但同时也指出，尽管有这些不同的角度和方法，艺术作品本身仍然是我们判断意义和价值的依据。
(三)教学的重点和难点
这门课的教学有两个重点:1。使学生明白艺术作品的意义和价值与时代和地域密切相关，即无论是这种意义和价值的形成，还是艺术作品产生意义和价值的能力和范围，都受到其所处时代和地域的限制；2.使学生明白判断艺术作品的意义和价值有不同的角度，即可以从不同的角度看待和理解艺术作品的意义和价值。
这门课教学的难点在于，一件艺术品的意义和价值既有绝对的一面，也有相对的一面。准确判断一件艺术作品的意义和价值涉及诸多因素，在教学中准确把握它们之间的关系并不容易，需要在教学中加以注意。另外，从各种角度判断美术作品的意义和价值，容易使学生产生美术作品可以随意理解的错觉，这是错误的，需要教师在教学中注意纠正。
二、教学内容信息
(一)作品分析
《小雪山游》(国画)(宋)
马援祖籍在河中央(今陕西永吉县)，出生在杭。他出生在一个绘画世家，到现在已经是第四代了。他曾在光宗、宁宗、李宗三朝任画家。马援和他的祖先一样，是一位集山水、人物、花鸟、杂画于一身的全才画家，在绘画上独树一帜。成就最高、影响最大的是他的山水画，因为他的画的构图往往把真实的场景放在画面的一角，所以被称为“马角”。但他除了一个角落的特写，还有全景风景，他也发挥了自己的全方位优势。他的作品时而花鸟、山水、人物、山水相结合，时而人物、花鸟、山水相结合，极其丰富多样。
宁静的渔笛(国画)夏贵(宋)
绘画史上一直被称为“马霞”，因为他们的绘画风格确实非常相似。区别在于:马援更贵，夏贵更自发；马援画得更紧，夏贵松野一些；此外，夏贵用墨更淋漓。
夏圭，钱塘人，比马援晚一点。他在宁宗和李宗两朝，等着一封给画院的信。他这一代人虽然晚，但名声不低。国子监有十个人，夏贵是其中之一，与苏汉臣、林春、李傕、马援享受同等待遇。早年有很多唐力的痕迹，中年以后逐渐形成自己的风格。在布局上，他喜欢将景物集中在一侧，或下半部或左右，表现出空间感的朦胧趣味，被称为“夏半边”。晚年的风格更加简洁豪放。正如董其昌所指出的，夏贵也吸收了米家山水的墨法，爱泼墨得晕，再用秃笔沾染焦墨。笔法灵活多变，点、短线、小轴、大轴交替使用，浓淡相间，云淡风轻。
父亲(油画，240cm× 160cm，1980，中国美术馆)罗中立。
罗中立(1948—)出生于四川省璧山县。1964考入四川美术学院附中。毕业后在四川大巴山生活了10年。1978考入四川美术学院，学习期间创作油画《父亲》。他以自己多年在四川山区工作生活的经历为基础，借鉴西方现代派艺术摄影的现实主义，以一个巨大的领导者的形式，塑造了一个勤劳、朴实、善良、贫穷的老农形象。他古铜色的面庞，漫长而艰辛的岁月留下的车辙，耙柴的手，无牙的嘴，都饱含着画家对这一现实的深厚感情和深刻反思，从而唤起人们对现实，尤其是对农民命运的深切关注。正因为如此，这幅作品的公开展出立即引起了强烈的社会反响，是新中国成立以来最具影响力的艺术作品之一。
《最后的晚餐》(油画，365cm× 568cm，1592—1594，威尼斯圣乔尔乔？丁托列托(意大利语)。
丁托列托(1518—1594)被认为是文艺复兴后期风格主义的画家。“丁托列托”不是他的真名，因为他出生在一个代尔的家庭，所以他得到了这个绰号(意为代尔)。他是一个野心勃勃的人，扬言要把提香的色彩和米开朗基罗的身材结合起来，成为最伟大的艺术大师，为了达到独特的艺术效果，他在创作中总是选择别人很少使用的角度和构图，追求宏大的神韵、强烈的戏剧性和突出的光感，忽略了人物内心气质和性格的刻画，主要从画面效果出发。
《最后的晚餐》是传统的《圣经》主题，不同时期的许多画家都画过它，丁托列托自己就画了七八幅之多。丁托列托的《最后的晚餐》创作于1547年，现藏于威尼斯圣马科拉教堂。不过1565-1594期间完成的三幅画最为著名(第一幅在圣特罗瓦教堂，第二幅在圣罗科公会，第三幅就是这幅)。就构思的独特性而言，这幅画比其他任何一幅都大胆。在这里，虽然人体动作仍然是颠倒的，画面仍然充满了强烈的神话色彩，但是耶稣和12门徒之间的关系很有节奏感。具有运动感的斜线构图，明暗对比强烈，给人强烈的视觉和心理印象。桌上的12字被耶稣的一句话扰乱——“你们中间有一个人要背叛我”，动态表现不一样。此外，左上角梦幻般的天光和云光源让这一幕有了神话般的舞台效果。
画家别出心裁地将这幅《最后的晚餐》安排在一个垂直的视角中，观众仿佛站在门口或者站在场景一侧的高处观看。人物的所有动作都被分组，忙碌，叙事。根据意大利艺术史学家瓦萨里对丁托列托画作的评论，“他不仅工作速度快，而且作品中还留有粗糙的笔触，让人无法看出他的画作是否已经完成。”这绝不是说他的画有很多技术上的粗糙，而是他用笔法追求光和动的结果。他更喜欢用暖色，但他的暖色不追求华丽，暖色中的明暗是为了强化人物的心理因素。这种绘画风格后来被19世纪的法国印象派欣赏，他们抄袭他的绘画方法，吸收这种光影的表现效果。
《最后的晚餐》(壁画，484 cm× 880 cm，1495—1497，米兰圣玛丽亚？德拉格欣修道院)达？芬奇(意大利)
莱昂纳多？达？达芬奇(1452-1519)是文艺复兴时期意大利最杰出的画家、科学家和发明家。他一生完成的画作很少，但几乎都是不朽的。他的作品自始至终都带有鲜明的个人风格，善于将艺术创作与科学探索相结合，深邃含蓄而又理性。他晚年致力于科学研究，留下了大量笔记、手稿和草图，几乎涵盖了从物理、数学到生理解剖学的所有内容。他的技术发明也见于民用、军用、工程和机械领域。因此，恩格斯称赞他:“他不仅是一个伟大的画家，而且是一个伟大的数学家、机械师和工程师。他在物理学的各个部门都有重大发现。”
壁画《最后的晚餐》是达？芬奇是米兰的圣玛丽亚？德拉格欣修道院餐厅。它不是普通的湿壁画，表面是灰色的，而是掺了一些油彩，所以有些美术史书籍不叫它壁画，而是贴上“油蛋颜料”的标签。因为这是一次不成熟的新尝试，原画从16世纪开始逐渐褪色发霉，现在因为后人保存不善已经很模糊了。目前，有关方面正在尝试用现代技术进行修复，但进展缓慢。
《最后的晚餐》取材于基督教圣经中的传说，耶稣被他的12门徒之一犹大出卖了。它是以耶稣在耶路撒冷被捕前与他的圣徒最后一次共进晚餐而命名的。从中世纪到文艺复兴时期，以此为题材的宗教画不断被创作出来，并形成了一套风格化的表现手法。达？芬奇的作品以其独创性、出色的构图和深刻的人物心理描写成为不朽的杰作。达？在这部作品中，芬奇在与弟子12 * *共进晚餐时牢牢抓住耶稣，突然说:“你们中有一个人要背叛我。”之后，所有的弟子们突然出现了各种表现性的瞬间，着重刻画了每个人物的内心世界，表达了画家对善恶美丑崇高卑鄙的鲜明爱恨情仇，随后对人物微妙的心理描写达到了前所未有的程度。整幅画的构图很完美:横幅的画面以耶稣为中心，形成严格对称的构图。12弟子之间联系紧密，姿势多样，丰富统一。另外，在画面空间和背景的处理上，用透视法画出了一个深远的空间。这些都使这部作品成为举世闻名的杰作。
大卫·多那太罗(青铜雕塑，高度126cm，1443-1444，佛罗伦萨国家艺术收藏)(意大利)
多那太罗(1386—1466)是意大利文艺复兴早期最杰出的雕塑家和现实主义艺术的重要先驱之一。大卫是他的重要作品，也是文艺复兴时期第一件裸体人体雕塑。它标志着希腊和罗马人体艺术传统的恢复。大卫的形象来源于《圣经》的传说，是欧洲文艺复兴时期艺术家的共同主题。传说古代犹太人的国王大卫，少年时以投掷石块的技能杀死歌利亚而闻名。多那太罗的《大卫》表现了年轻的大卫在杀死一个人后踩在巨人的头上时胜利的喜悦和骄傲。大卫的形象不仅与人体比例准确，而且线条优美流畅，显示了多那太罗塑造人体的高超技艺。
大卫(雕塑，高250 cm，1501—1504，佛罗伦萨美术学院收藏)米开朗基罗(意大利)
米开朗基罗是吉大吗？在芬奇之后，他是文艺复兴全盛时期的另一位大师。十几岁时，他进入著名的“美第奇花园”，在那里接受艺术训练，接触到那里收藏的大量古代艺术珍品。他看起来不像爸爸？芬奇充满科学精神和哲学思考，却执着地追求人类精神和人类力量在艺术中的体现，他的艺术风格瑰丽，感情强烈，悲剧色彩浓厚。
米开朗基罗的大卫是一个有着伟大气魄的年轻巨人。他冷静地站在那里，左手紧握肩上的弹弓，高昂着头，警惕地盯着敌人。他的眉宇间充满了必胜的信心。雕塑家用这种近乎静止的姿态，有效地传达了战前的高度紧张和大卫身上隐藏的巨大力量。
大卫(雕塑，1623—1624)贝尼尼(意大利)
贝尼尼(1598—1680)出生于那不勒斯。他是伟大的雕塑家和建筑师，也是17世纪最著名的意大利巴洛克艺术家。贝尼尼从小就才华横溢，心灵手巧。他8岁开始雕刻作品，很早就展现了自己的才华，赢得了声誉。在他的凿子下，大理石似乎变得像泥土一样柔软而具有可塑性。他的雕塑充满激情，动作强烈，具有旋风般的力量，充满运动感和戏剧性。
贝尼尼的《大卫》是一个正在努力奋斗的大卫，似乎更符合现实生活。他的大卫更像是一个在逆境中坚忍不拔的战士。在这种状态下，艺术家可以表现人体的旋风运动和人物的强烈感情。运动感是巴洛克艺术的核心主题。
艰苦岁月(雕塑，高度100 cm，1957，中国革命军事博物馆)潘鹤。
潘鹤(1925—)出生于广州。广州美术学院雕塑系教授。1940开始从事艺术活动。1957年为中国革命军事博物馆创作代表作《艰苦岁月》。在这部作品中，潘鹤真实地再现了红军在长征“艰苦岁月”中的形象和精神面貌:破军帽、破军装、赤着脚、艰苦生活留下的粗大胸骨，如一根钢筋手指上的古色古香的笛子，干裂的嘴唇轻贴着笛孔，欢快地弹奏着悠扬的乐曲；脸上粗糙的皮肤舒展开来，嘴角露出会心的微笑。额头上的深沟储存着艰苦岁月中形成的苦难——这是潘鹤雕塑《艰苦岁月》中的老兵形象。而一个满脸稚气的小红军蜷缩在他身旁，一手拿着长枪，一手托着下巴，听着美妙的笛声，微笑着做着白日梦，放逐在无限的天空，憧憬着未来的理想。这个形象已经超越了个性，成为一个时代的精神象征。
《管道男孩》(油画，161cm× 97cm，1866，巴黎印象派艺术收藏)马奈(法国)
马奈(1832—1883)出生于巴黎一个资产阶级大家庭。他的父亲是一名法官，所以他接受了良好的教育。他自视甚高，厌恶一切保守落后的东西，追求进步和革命。但马奈没有库尔贝那样彻底的革命精神，但还是有所保留，这也体现在他后期的艺术中，他不是一开始就搞艺术的。他的父母起初希望他学习法律或进入海军学校，但他两次考试都失败了，所以他成为了一名船上的见习水手。在一次去巴西的航行中，他被大自然的美丽深深吸引。回国后，他在1850说服父母以学生身份进入古典画家库图伊尔的画室。当他在1856离开库图尔的画室时，他已经是一个有着扎实传统功夫的画家，这一点已经在他的《吉他手》和《马奈夫妇》中表现出来，这两部作品在1861的沙龙中首次展出。但马奈对同时代画家的作品更感兴趣，尤其是库尔贝作品的大胆真实性和巴比松画家的外部光效，于是他也突发奇想，画出了自己的第一幅户外画作《杜伊勒里宫花园音乐会》。但马奈在绘画中除了像印象派那样考虑光线之外，更注重内部结构与色彩的结合，他在这方面的研究直到高更，尤其是塞尚才受到重视。
马奈的绘画以技法的自由和色彩的地位拉开了未来的帷幕。他曾经对日本浮世绘艺术形式有着浓厚的兴趣，也喜欢中日版画中色彩的概括性和意象的平坦度，在作品中寻找对比色。吹笛者男孩就是一个例子。这是一幅没有阴影，有立体感，有深度的画。因为轮廓营造了缩小的效果，人物还是有立体感的。马奈扬弃了乔托以来将平面转化为绘画空间的方法。灰色背景和人物一样坚实。好像人物出图的话，背景会有一个类似放在模板上的洞。为了增强画面的平坦度，人物在哪个视界似乎都无所谓。可以说他是飘在空中。目的在于形象平面的生动印象。
派珀(雕塑，1904)皮埃尔·布迪厄(法国)
布代尔(又译Bourdel，1861—1944)是罗丹的学生，也是一位继承罗丹创作精神，进一步拓展雕塑艺术并将其引向现代艺术的艺术家，他既继承了古典雕塑的传统，又试图发挥雕塑语言的优势，摆脱罗丹对文学性的过分强调，寻求新的表现方法。皮埃尔·布迪厄的作品充满力量，雕塑语言含蓄而深邃。如果说罗丹结束了一个注重写实和心理刻画的雕塑时代，那么皮埃尔则开始了一个注重雕塑的空间表现和力度的时代。他雄伟而概括的雕塑创造了新一代的风格。
《洛神赋》卷(帛画，27.1cm× 572.8cm，北京故宫博物院藏)顾恺之(东晋)。
本卷以三国时期曹植(192-232)的名诗《洛神赋》为题材，用具体生动的形象完整地展现了诗的内容，也反映了这一历史时期新兴文论重视情感生活的要求。
作者一节一节地描述故事的内容。一开始，曹植带着随从来到洛水岸边，目不转睛地四处张望，仿佛看到洛神(即甄氏)从凌波中翩然而至。然后他们交换礼物，罗申和她的同伴在空中或水上自由玩耍。这时，风神止住了风，河神命令海浪平静，水神在敲锣打鼓，创世神女娲也在歌唱，曹植和洛神驾着六条龙的“云车”出行，交心畅谈。最终，曹植在渡洛水的船中渴望着他，在离岸坐车离开时回眸，无限眷恋。
本卷中的主要人物以不同的形象在不同的场景中反复出现。岩石和树木作为人物的背景，在长卷中起着分隔和连接不同段落的作用，维持着构图的完整性。画中的洛神带飘逸灵动，委婉淡定，眼神定定，流露出关切与犹豫。曹植的形象具有一个贵族诗人的风范，同时也表现出忧郁怀旧的精神状态。这幅画的色彩明亮生动，充满了诗意的美。这幅画在刻画人物心理上的成功和在表达情感内容上的精深造诣反映了这一时期中国画的新发展。
《洛神赋图卷》最早见于王允的《元代书画目录》和唐鉴的《画》，后见于毛伟的《明代南洋名画表》。宋代有很多册，现在有三册，但这一册是最全的。
梦(油画，204.5cm× 298.5cm，1910年，纽约现代艺术博物馆)卢梭(法国)
亨利。卢梭(1844—1910)是一位自学成才的画家，父亲是工人，母亲是农民。亨利。卢梭年轻时曾在军队服役四年，认识了去过墨西哥的士兵。他们谈论的异国风情让他非常向往。他于1868年定居巴黎。1870年，再次参加普法战争。退休后，他成了巴黎的一名税务海关雇员。他被解雇了，因为他被欺骗和玩忽职守，所以他不得不在酒吧里玩来谋生。他也参加过绘画活动，但没有经过训练，他的绘画技巧很笨拙。这种朴实无华的“拙味”得到了当时著名诗人阿波利奈尔的欣赏和推荐。从此，他在画坛获得了一定的声誉。后来，在表现主义艺术家的鼓励下，他保持了这种坦率的描绘事物的方式，并在他的题材中融入了一些神秘主义，这使他的艺术独树一帜。
梦里展现了一片想象中的原始森林。图片中有一些奇怪的动物和罕见的热带植物，除了阔叶丛林，还有热带地区看到的美丽兰花和水果。这是一个无人居住的原始丛林，但在这样一个难以想象的环境中，却有一个裸体女人横躺在一张不可思议的华丽沙发上。中间，一个皮肤黝黑的男人朝着面对观众的方向吹着笛子，一只狮子从树丛中探出头来。这一切都不是真实的，季节和环境都是违背常识的。那是一个梦，画家心中的一个奇怪的梦，充满了抒情的味道和装饰的味道。
《梦》具有一定的表现主义色彩，因为画中浓缩的东西——处女地、狮子、美丽的鸟儿、可怕的美洲野牛、凄凉孤独的月亮、肤色黝黑的风笛手和畸形的裸女，只表现了画家幼稚的想象力，因其趣味性而受到很多人的欣赏。一位评论家幽默地说，“他的天才胜过天真，应该算是20世纪艺术的先驱。”
一条街的忧郁与神秘(油画，87cm× 71cm，1914，美国康涅狄格州新坎南私人收藏)切木(意大利)
乔尔乔？德？切木(1888—1978)出生于希腊，父母是意大利人。我早年在雅典学素描，然后在雅典理工学院学了四年绘画。父亲去世后，他们全家搬到了慕尼黑，切木继续在慕尼黑美术学院学习。我在德国受到了富兰克林的影响。切木也对克里姆特、克林格和阿尔弗雷德感兴趣？库宾等画家的风格。
他在德国读了尼采的哲学，对叔本华的作品产生了兴趣。尼采对事物表象之外的意义的探索，以及他描写意大利都灵拱形建筑形成的空旷广场的散文，给切木留下了深刻的印象。这幅画《一条街的忧郁和神秘》是这种形而上学绘画的典型例子。
这幅画的透视很有感染力。右边是一大片阴影，被带有拱顶的深棕色和灰色建筑覆盖，左边是一条低矮的白色拱廊，向外延伸。天空阴沉，但街道很明亮。这时，一个拿着铁球的孤独小女孩从左角出现，她的影子似乎是从画外被拖进来的。前方又是一个幽灵般的影子，拖着龙在明亮的街道上。所有这一切既不合逻辑又令人恐惧。在那个影子里，有一辆老式火车的空车，车门开着，令人费解，给观众增添了烦恼。从时间来看，好像是深秋的下午，但城市广场空无一人。商业市场停摆，颇有城市末日的嫌疑。切木承认这幅画的灵感来自尼采对意大利城市广场的描述。这就像一场梦，时间是在深秋，因为意大利的太阳变得比夏天更低，影子更长。
巴黎街景(油画，105.1cm×152.1cm，1972)埃斯蒂斯(美国)
埃斯蒂斯(1936-)是20世纪60年代末在美国兴起的超现实主义(又称“高度现实主义”或“摄影现实主义”)的主要代表人物之一。这种艺术是对20世纪50年代以来西方个性化表现倾向的反叛，即以摄影为蓝本，在艺术上极力模仿以避免个性..这种做法并不新鲜，因为库尔贝曾经以摄影为基础画过风景。但不同的是，超现实主义使用幻灯机将照片直接投影到画布上，然后进行非常详细的描述。如此一来，照片的任何细节都被准确再现，与照片无异。只是这个原本的大场景经过这样的模仿产生了一种奇特的视觉效果，不仅抑制了艺术家的个性，也让观众不得不被动接受——你越想把它当成真实的东西，它离你就越遥远。埃斯蒂斯的街景很好地说明了这一点。在这幅作品中，他不仅描绘了每一个物体的细节，还利用了墙上镜子的反射来增加这种视觉真实性。然而，画家的真实意图是告诉人们，我们所看到的是虚幻的，即使如此真实地描绘，它仍然只是一幅画。
(2)名词定义
人道主义
人道主义的基本含义是一切以人为中心，一切为了人，提倡人道主义。它包括两层含义:一是作为世界观和历史观；首先，作为伦理原则和道德规范。前者把世界和历史看成以人为中心；在后者，它强调普遍的人性。但如何看待人道主义也有两种观点:资产阶级人道主义和社会主义人道主义。前者以个人主义为中心，后者以集体主义为中心。不同的人道主义在不同时期的艺术作品中有不同的表现。
“假大天”
它是文革中形成的文学现象，与文革中提出的文学原则有关。首先是“三突出”。“三突出”一词，最早是由当时的上海市文化体制革命委员会筹委会主任余慧勇提出，后被姚修改塑造为:“突出一切人物中的正面人物；突出正面人物中的英雄；突出英雄中的中心人物。”根据这个原则，他们还规定不允许写主要人物的过错；不允许其他角色接主角的戏；不要写两个以上的主要英雄等等。文革时期确立的另一个创作原则是“革命现实主义和革命浪漫主义相结合”的创作方法。这种创作方法是在文革前提出的，但在文革中得到进一步发展。按照当时的理解，所谓“革命现实主义和革命浪漫主义相结合的创作方法”，也就是马克思主义的连续革命论和革命阶段论相结合的思想，革命理想和现实斗争相结合的思想。这种思想在文艺创作中表现为“革命现实主义和革命浪漫主义的结合”。“它是‘以革命现实主义为基础，以革命浪漫主义为主导’，其核心是‘在战无不胜的毛泽东思想指导下描绘‘新人物、新世界’——展现工农兵当家作主的新时代，塑造工农兵英雄形象，使文艺成为团结人民、教育人民、打击和消灭敌人的强大武器’”。
这种艺术风格在“大批判”和阶级斗争意识的驱动下，从“文革”前的一些海报、农民壁画和当代漫画中吸收其造型因素，逐渐形成了二元对立的鲜明艺术特征:在人物描写上，正面人物多为特写，方脸、浓眉、短粗的手臂、鼓鼓的肌肉、指点迷津，反面人物则委琐卑微、躲在阴暗的角落里；在艺术形式上，扁平的黑红两色不仅具有强烈的视觉效果，还代表了革命与反动、光明与黑暗的二元世界。其实主要是文革中“三突出”、“红灯”、“高大全”创作原则的又一次具体体现，最后变成一个虚假的过程。