造型表现手段:造型艺术中创造艺术形象的技巧和手段。如借助色彩、明暗、线条、解剖、透视作画；雕塑靠的是体量和结构。这些技法和手段，通过长期的艺术实践，形成了这些造型艺术独特而特殊的艺术语言，决定了这些艺术不同的表现规律，关系到造型艺术形象的成败和艺术作品的感染力。艺术家对造型表现手段规律性的不断探索和提高，是艺术创作表现新的生活内容，满足人们不断发展的审美爱好的必要条件。
黄金分割也被称为黄金律和黄金比例。在一条线段上，按照最优的长宽比将线段分为长段和短段，或者按照最优的长宽比形成一个矩形的长边与短边的最优比，即黄金分割。
二次元绘画术语。指长度(左右)和高度(上下)组成的平面空间。在绘画中，为了真实地再现物象，我们常常运用透视、明暗等造型手段，在第二空间的平面上创造出物象的深刻感和立体效果，也就是用第二空间创造出自然物的三维空间的错觉。有些画，比如装饰画、图案画，并不要求很强的深度效果，而是刻意追求第二空间的平面意义，以获得艺术表现力。
立体画术语。指长度(左右)、高度(上下)、深度(纵深)组成的三维空间。在绘画中，为了真实地再现物象，需要在平面上表现出三维空间的立体感和纵深感。
肌理绘画、雕塑等造型艺术通过不同的表现手法在作品中表现各种物体的特征，如丝、皮、水、石等不同的质性特征，给人以真实感和美感。
借助明暗、色彩、线条等造型因素，量感表达的是对一个物体的重量、粗细、大小、数量的感受。如岩石的庄严，风烟的轻盈。绘画中所有表现现实的物体都要求传达物体独特的重量和真实感。利用数量的对比关系，可以产生多样统一的效果。
在绘画中，根据几何透视和空气透视的原理，空间感描绘出物体之间的距离、层次、穿插等关系，从而在平面绘画中传达出一种深邃的立体感。
体积绘画术语。指在绘画平面上展示的视觉对象能给人一种占据三维空间的立体感。在绘画中，任何可见的物体都是由物体本身的结构决定的，由不同方向和角度的块组成。因此，需要把握被画物体的结构特征，分析其在绘画中的得体关系，以达到体量感。
透视画的理论术语。“perspective”一词源于拉丁语“perspclre”。起初，透视学是通过一个透明的平面看景物，并在这个平面上精确地画出景物，即形成景物的透视图。后来根据一定的原理，用线条表现一个物体的空间位置、轮廓和投影的科学，叫做透视学。
明暗绘画术语。指绘画中物体的光线、背光、反光部分的亮度变化以及这种变化的表现方法。一个物体在光照下有三种亮暗状态，称为三大面，即亮面、中面和暗面。三大面的光和色一般都是中间偏暗。三大面的明暗一般表现为五个基本层次，即五种色调:①明面始终受光；(2)灰面——中面，半明半暗；(3)亮部和暗部的分界线；(4)暗侧上的背光部分；⑤反射受周围反射影响的单个表面的暗部和亮部。根据明暗的高低来描绘物体，一直是方画的基本方法。文艺复兴时期，瓦萨里曾在《艺术家列传》中说:“作画时，在画出轮廓后，用浓淡来大致区分明暗，然后在单间里小心翼翼地展示明暗，明亮的部分也是如此。”伦勃朗是欧洲画家中的阴影技巧大师。
轮廓造型艺术术语。指定义绩效对象范围的边缘线。在绘画和雕塑中，轮廓是否正确被视为作品成败的关键。
构图和造型艺术术语。指作品中艺术形象的结构配置方法。它是造型艺术表达作品思想内容、获得艺术感染力的重要手段。
色彩绘画的重要因素之一。各种物体不同程度地吸收和反射光线，作用于人的观众席，是一种复杂的现象。由于物体的纹理不同，对各种颜色的光的吸收和反射程度不同，所以世间万物都形成了千变万化的颜色。
色调颜色可以呈现的定性外观。自然界中不同的色调是无限丰富的，比如紫红色、银灰色、橙黄色。
色度是指颜色本身固有的明度。例如，在七种基本色调中，紫色是最暗的，黄色是最亮的。
声调也叫声调。在具有一定色相和明度的光源色的照射下，物体表面被笼罩在统一的色彩倾向和色彩氛围中，这就是色相。
颜色没有属性。颜色基本上分为暖色(也叫热色)和冷色(也叫冷色)。红、橙、黄是暖色，给人温暖、温暖、外向的感觉；绿、青、蓝、紫是冷色，给人一种冷、静、缩的感觉。
笔触是指绘画过程中，画笔接触画面时留下的痕迹。笔法虽然是技术因素，但也传达了艺术家的艺术个性和修养，所以也是艺术家艺术风格的组成部分。
中国画简称“国画”。它指的是中国的国画，在中国的土地上长期形成和发展，在世界艺术领域有自己独特的体系。它使用毛笔，墨水和中国画颜料在特殊的宣纸或丝绸上绘画。按题材可分为人物、山水、花竹、鸟兽、虫鱼、宫殿等画材。按表现的手段和技法可分为工笔、写意、勾、无骨、设色、水墨画等画法。按版式风格可分为立轴、横卷、册页、扇面等风格。中国画非常重视笔墨，用线条、墨色和轻重色，通过勾染、干湿浓淡、阴阳背向来表现客观物体的物理结构；并利用虚拟现实与密度和“留白”的结合，达到巧妙的构图效果。国画的空间处理也比较自由灵活，就是可以用“以大见小”的方法来画山川；也可以用“马背上看山”的方法，画出长江的万里。中国画表现为“形神兼备”、“气韵生动”，既提倡“师外教”，又提倡“得心于中国”。国画还题诗篆刻于屏，集诗词、书法、篆刻于一体。
西画是指不同于中国传统绘画体系的西方绘画。包括油画、水彩、水粉、版画、铅笔画、铅笔画等多种绘画。西方传统绘画讲究写实，用透视和明暗的方法表现物体的体量、质感和空间感，要求表现物体在一定光源下的色彩效果。
油画是用易与油剂(亚麻油、罂粟油、核桃油等)混合的颜料在亚麻布、纸板或木板上作的画。).绘画中使用的稀释剂是松节油和干亚麻籽油。附着在画面上的颜料具有很强的硬度，在画面干燥后能长时间保持光泽。油画是西方绘画的主要种类。
一种雕塑“造型艺术”。它是三种方法的总称:雕塑、雕刻。用各种塑泥或雕刻的木、石等材料，可以做出各种有真实体积的形象。雕塑一般分为圆形雕塑和浮雕两种。由于用途不同，又分为架上雕塑、纪念雕塑、装饰雕塑、建筑雕塑等。
工艺美术类别之一。指生产具有一定艺术意义的手工艺品，既满足人们物质生活的需要，又满足人们精神生活的需要。它是实用性与审美性的结合，是技术与艺术的统一，工艺美术分为两类:①日用工艺品。(2)显示技术。
书法是中国的一种传统艺术。②汉字书写方法。中国书法根据汉字的造型规律，用点画形成各种形式来表达思想。楷书、草书、行书、隶书、篆书(大篆、小篆)各种各样的文字都有。书法美的基本因素是点画，其次是点画。所以书法用笔很重要，要掌握和运用举、藏、转、重、急、方圆等矛盾关系，注意避免轻佻的手指。从整体上看，书法的美在于字里行间的气势、节奏和韵律以及所传达的意境。各类书籍讲究结构的横向和纵向排列，期待呼应；布局恰当，条理清晰。
素描是一种主要用单色线条和块来表现物体的绘画形式。通常作为锻炼绘画基本功的手段，以训练对客观物体的形状、结构、明暗、肌理、量感、空间感的观察和表现能力。素描也可以作为一种独立的艺术形式用于创作。比如画家王式廓的作品《血衣》，就是一个例子。
水粉画是将粉状颜料与水混合而成的画。水粉一般颜色不透明，遮盖能力强，所以能刻画得深刻细致。使用得当，可以兼具油画和水彩画的艺术效果。
画在建筑物的墙上或天花板上的画。分为粗底壁画、彩绘壁画和粘贴壁画。壁画是最古老的绘画形式之一。埃及、印度和巴比伦保存了许多古代壁画。意大利文艺复兴时期，壁画创作繁荣，产生了许多著名作品。中国从周朝开始，历代宫殿甚至墓葬都有壁画制度。随着宗教信仰的兴盛，在寺庙和石窟(如敦煌莫高窟、芮城永乐宫)中得到广泛应用，至今保存了大量著名的佛教壁画和道教壁画。)
一种漫画，也称为漫画。“高速绘画”一词来源于意大利语Caricare，意为夸张。后来演变为“漫画”一词，指带有讽刺、滑稽意味的图画。通过夸张、变形、假设、比喻、象征等手段，以幽默、诙谐、诙谐的艺术效果讽刺、批判(或歌颂)现实生活中的人和事。
中国画写生的传统术语。描绘花、树、鸟、动物和其他生物的画叫做素描。如五代黄泉的珍禽速写。在现代常见的绘画语言中，任何直接以实物和实景为对象的描绘，统称为素描。
素描是一种用简洁的线条，通过快速准确的观察，简要地描绘出物体的表情、形体、运动等特征的绘画方法。培养画家敏锐的观察力，快速把握对象特征的概括，是重要的绘画方法，也是记录生活、积累创作素材的重要手段。
中国画有哪些类别？
中国画通常分为三类:山水、花鸟、人物。如果进一步划分的话，中国画的门类很多。中国的画在历史上不同时期都有分类，但很难准确表达。以下是一些流行的分类:
一、宋代《宣和花谱》:道教佛教、人物、宫殿、扇面人、龙鱼、山水、动物、花鸟蔬菜。
二、南宋邓椿的画继:仙、佛、鬼神、人物传记、山水、竹、花、竹羽、兽、虫、鱼、舟、果、菜、草、小规模杂画。
三、明代陶辍耕录:佛祖菩萨，道教玉帝造像，金刚圣僧，罗汉诸神，风云龙虎，古图，山野遍林，花竹羽，野驴猛兽，人用，界画梯田，一切附生，农耕机织，雕青嵌青。什么是工笔画？工笔画是用细致细腻的笔法描绘景物的中国画表现形式。边鸾是唐代花鸟画的杰出代表，他能画出鸟的活动状态和花的鲜艳色彩。制作《牡丹图》，色彩鲜艳，发质漂亮。仔细看，可以确定牡丹是中午画的。原图中的猫眼有一条“竖线”可见。再比如五代画家黄权写的花羽毛，惟妙惟肖，却被苍鹰当作实物攻击。这一点在《圣朝名画评论》中可见一斑:“郑光时期，我命儿子画八卦堂的四季山水和各种花鸟，是最好的准备。那年冬天，我会去打猎。因为我按了鹰狗，里面有只鹰，挣扎着举臂的人都控制不住。所以我直接去庙里争取我画的羽毛。”工笔画在唐代开始流行。所以，之所以能取得杰出的艺术成就，一方面在于绘画技法的成熟，另一方面在于绘画材料的提高。工笔画必须画在用明矾处理过的丝绸或宣纸上。初唐时期，丝绸材料的改进在一定程度上促进了工笔画的发展。据米芾《画史》记载:“绢生于古画，至初唐，至吴声、周、汉沃，已半熟。后来热汤煮，粉打如银板，冒充人物，文笔辉煌。”一般来说，工笔画需要先画出底稿，一份完整的底稿需要反复修改才能定稿。然后用宣纸或胶矾绢覆盖，先用小笔勾勒，再随类上色，逐层渲染，达到形神兼备的艺术效果。比如陈之佛的秋天照片。
什么是写意写意，就是用简练的笔法描绘风景。写意多画在宣传上，竖笔，飞墨色。与工笔画相比，写意更能体现所描绘景物的魅力，更能直接表达作者的感情。写意是在长期的艺术实践中逐渐形成的，其中文人参与绘画对写意的形成和发展起到了积极的作用。相传在唐代，因其诗画俱佳，后人称其画为“画中之诗，诗中有画”，他“改画之道”，以“淡墨清笔”创造了碎墨山水。董其昌尊他为“文人画”之祖。五代时，先以墨色书写花卉的枝叶，再以淡色略画，创造了徐体的“滴墨法”。之后，文同推动了宋代“四君子”的画风，梁麟开启了明代“院式”的新画风，沈周善用重墨淡色，陈柏扬强调写实水墨淡色，徐青藤更是天马行空，天马行空。经过长期的艺术实践，写意进入了全盛时期。八大以后，石涛、李、吴昌硕、齐白石等，写意是现在影响最大、流传最广的绘画方法。写意崇尚神似。董其昌说:“写意是画山水最好的方法。这是什么？当造型和质量完美的时候，就没有魅力；若有异色，则无笔法。”明代徐渭的《题画诗》也说:“我们不要看起来像一个生存的韵脚，而要按我们的五个手指去切。”写意讲究笔墨。比如徐渭画的水墨牡丹，是用水墨的画法写的，而不是用交染对比的表现方法。元稹真武《画论》中有一句话:“墨家戏剧的作品，除了盖世太保的文字丰富之外，适合一时之趣，与他的批评者有很大关系。品味《陈建斋》中墨梅的诗句:‘意不足问色，前辈是马立克九方高。’这位博学的画家也。“写意强调作者的个性。扬州八怪以“奇”著称。他们绘画不规范，随意涂写，用“乱”字表现他们的叛逆精神。郑板桥曾坦承:“现代的丁白(道人)和香清(石涛)，或浑或奇，都是自古以来独一无二的。最近，于(鼎)画了竹子，这是相当混乱和美妙的。一句乱字很重要，而且很重要。”(《郑板桥集补》)金东信画竹也似“乱”。他曾说:“有了焦墨的大叶子，叶子都乱了。”写意画多以书法的笔法为基础，写意画的笔法也极大地丰富了书法的形式，所以写意画多为书法。比如郑板桥擅长书法和绘画，两者是相互融合的。他以画为书，创作出隶书在行书中的“六分半书”，还以书法为朱兰，风格活泼苍劲。阿清王朝蒋士铨评价说:“板桥写词如兰，波浪古朴婉约；板桥写蓝为字，叶菜皆美。”写意是集诗歌、书画、印刷于一体的艺术形式。扬州八怪之一的李，喜欢在画上题词，有长有短，错落有致，使画面更充实，神韵更流畅。“画不可足，而可足，画无声而诗有声，互为所用”(《书画恋日录》)既体现了李绘画的现实性，又体现了写意性的基本特征。吴昌硕和齐白石也是近代伟大的艺术家。
工作和写作结合的表现是什么？工笔结合的表现，就是把工笔和写意两种不同的技法运用到一幅画上。说白石老人是写意大师，并不能概括他的艺术成就，因为白石老人也是工笔画大师。他善于将写意与工笔相结合，这在一幅作品中表现得淋漓尽致。白石老人在60岁左右的时候，画了很多细致的昆虫，比如蜻蜓、蝴蝶、蛞蝓、蟋蟀、蚱蜢等等。80岁那年，改革成功，用一种写意的手法在画上加了花。《枫叶上的寒蝉》就是这样一部杰作。墨色的枝头上，有几朵艳红的秋枫，一只细致的蝉停在红枫上。在红黑与工笔的强烈对比中，一个生机勃勃的秋光跃然纸上。齐白石曾说:“大笔墨的画，鲜有雷同；工笔水墨画很少见。这个工人经常笑过去，来笑的人怕我看不到。”工笔和写意各有所长，两者对立的表现形式往往会引起对方的批评。齐白石的工笔与意的结合，正是取长补短，从而开辟了新的境界。
北宋山水画的三大流派是什么？北宋山水画的两大流派李成、范宽、董源，在当时创立了三大流派，画风各异，贡献突出。郝静虽然开创了北宋的北方画派，写出了经典的《笔谈》，但他对山水画的贡献是突出的。然而，郝静的作品，包括管同和李成在，都没有流传下来。从实际记载和后世相关抄本可知，在荆、关、李三人之中，李成是决定性的一人。米曾飞云:“李成真见二书，假为三百。”可见李成的影响力是巨大的。他的水墨山水善用淡墨神韵，体现山水之美，彰显文秀之道。米芾也说:“李成淡墨如梦雾，石如山。”李成创作了《卷云团》。虽然他的作品没有被留下，但我们可以从郭的画中看到卷云团的表情。“卷云团”是最早、影响最大的山水画方法之一。北宋山水画家的另一个主要流派是范宽。范宽和李成虽然是北派，但和李成有很大的不同。他的画反映了武术的宏伟风格。王诜将他与李成相提并论，称他为“一文一武”。范宽的传世作品有《西山游记》、《雪景寒林图》等。他画山水，强调主峰突出，占画面的三分之二。有一种威严的气势，显示出一种咄咄逼人的威严。同时，范宽非常重视具体景物的细节描写，对深谷中的瀑布和泉水以及山顶茂密的树木层进行了精心的管理。尤其是山的正面，用密密麻麻的小笔把石头巨峰的质和骨显露出来。这种方法被后人称为“钉头”或“雨滴”，大一点的叫“豆瓣”。与北方两派对抗的是以董源为代表的江南山水派。董源的画描绘了江南风景。米芾也对他评价甚高:“素淡天真，唐人无此，在毕洪之上。”《夏山图》是他的代表作。董源最大的成功之一，就是他创造了最能表现江南岩石形状和质量的“皮马巴”法。同时，他很注重淡墨的渲染，使湖光山色有润泽之感。最后，他还用点来丰富表现手法，重叠的点给江南的湖光山色增添了一种葱郁的感觉。董源的继任者是巨然。巨然山水在董源的基础上，开创了“长毛式”，后由焦墨断笔触苔。厚重轻盈，更显飘逸润泽，墨色扶摇直上。由于北宋三大流派的相互角逐，中国的水墨山水画形成了一种扬古开今的局面。
中国画用墨是什么，是中国画的基本技法。画家们历来重视笔墨的运用，写意的兴起和生活宣传的普遍应用，笔墨的运用成为中国画的基本特征。中国画用墨主要是运用墨色变化的技巧。由于笔内墨水含量的不同，由干变湿，由浓变淡。以墨代色，产生了墨分五色的说法。张汤颜渊《历代名画笔记》说:“墨运五色。”五色即焦、浓、重、淡、清，每一种墨色都有干、湿、浓、淡的变化，这就是中国画墨的奇妙之处。另外，还有一种说法是墨分六色。清代唐岱在《画事略》中说:“墨色之中，分六色。什么是六色？黑、白、干、湿、浓、淡。”又有云:“墨有六色，使黑白不分，无阴阳明暗；干了又湿，没有绿色和美丽；树荫不是花瓣，没有凹凸和距离。“中国画水墨色彩变化的丰富程度可想而知。没有改变的墨色必然是暗淡无光的，成为毫无生气的死画。画家的成功往往离不开用墨的技巧。比如齐白石画虾，所以妇孺皆知。一个重要的原因就在于用墨得当。他把虾画了三遍:“刚开始只是略有相似，一旦成了真，然后就越来越暗，越来越淡。“如今，我们在他的作品中看到的是栩栩如生的虾壳，透明而坚韧，尤其是虾的头部。在头骨墨迹淡的地方，一片浓墨就是虾脑，真是妙不可言。中国画用墨的技巧不是体现在调色盘里能调出多少种墨色，而是如何让不同的墨色体现在纸上，尤其是如何让一支笔产生各种墨色变化。随着中国画的不断发展，用墨的技巧也越来越成熟，产生了“泼墨”、“积墨”、“断墨”等各种表现手法。
中国画用墨是什么，是中国画的基本技法。画家们历来重视笔墨的运用，写意的兴起和生活宣传的普遍应用，笔墨的运用成为中国画的基本特征。中国画用墨主要是运用墨色变化的技巧。由于笔内墨水含量的不同，由干变湿，由浓变淡。以墨代色，产生了墨分五色的说法。张汤颜渊《历代名画笔记》说:“墨运五色。”五色即焦、浓、重、淡、清，每一种墨色都有干、湿、浓、淡的变化，这就是中国画墨的奇妙之处。另外，还有一种说法是墨分六色。清代唐岱在《画事略》中说:“墨色之中，分六色。什么是六色？黑、白、干、湿、浓、淡。”又有云:“墨有六色，使黑白不分，无阴阳明暗；干了又湿，没有绿色和美丽；树荫不是花瓣，没有凹凸和距离。“中国画水墨色彩变化的丰富程度可想而知。没有改变的墨色必然是暗淡无光的，成为毫无生气的死画。画家的成功往往离不开用墨的技巧。比如齐白石画虾，所以妇孺皆知。一个重要的原因就在于用墨得当。他把虾画了三遍:“刚开始只是略有相似，一旦成了真，然后就越来越暗，越来越淡。“如今，我们在他的作品中看到的是栩栩如生的虾壳，透明而坚韧，尤其是虾的头部。在头骨墨迹淡的地方，一片浓墨就是虾脑，真是妙不可言。中国画用墨的技巧不是体现在调色盘里能调出多少种墨色，而是如何让不同的墨色体现在纸上，尤其是如何让一支笔产生各种墨色变化。随着中国画的不断发展，用墨的技巧也越来越成熟，产生了“泼墨”、“积墨”、“断墨”等各种表现手法。
中国画的色彩特点是什么？中国画历来非常注重色彩的运用。南齐谢赫在《古画目录》中把“随类上色”列为六法之一。这种不同的色彩赋予不同类型的图像的理论是中国画色彩使用的基础。中国画讲究“以类设色”，但也非常重视空间环境对物象的影响。随着空间环境对物体的影响，空间环境的变化，物体的颜色也会发生相应的变化。萧艺在南北朝时期对这一现象作了细致的观察，在《山河松石歌》中说:“秋发族骨，夏吟春影，寒碧，暖日星凉。”这是中国最早对季节和气候差异的解释，所以造成了物体的颜色变化，尤其是冷暖色的变化。宋代郭的《林·高泉志》总结了季节变化对水色、天空的影响:“水色:春绿、毕夏、秋青、克黑；天空:春摇，夏淡，秋清，欲言又止。”清代唐岱引用郭的话说:“山有四季之色，风雨晦，变化各异。它们的颜色不像它们的外表。所谓春山明如笑，夏山绿如滴，秋山明如光，冬山萧瑟如眠。这也是四季的精神。”可见中国画的设色要结合物体固有的颜色和环境变化的影响来考虑。
中国的意境是什么？中国画的意境是画家通过描绘景物来表达思想感情而形成的艺术境界。它能使观者通过联想而歌唱，思想感情受到感染。绘画是否有意境是作品成功的重要因素。齐白石的画在表现手法上独树一帜，耐人寻味的意境也是其作品不朽的原因。老舍曾请白石老人作画，要了查楚白的诗《山泉十里蛙声》的题目。画面如何体现这首诗的意境？老人想了很多天，终于画出了我们现在看到的这幅作品。任何看过这部作品的人都会惊叹不已。画面用淋漓的笔墨描绘了一条被群山映衬的山涧，清泉从岩石中喷涌而出，六只蝌蚪摇着尾巴顺流而下。作品自然让人想起潺潺的泉水，流水会在十里之外；从六只活泼的蝌蚪，自然联想到无数生活在山涧的青蛙。山泉和蝌蚪联想到青蛙和青蛙，联想中的青蛙伴随着山泉流出的水声，组成了一首动人的交响乐。这幅画以虚为实，体现了深刻的意境。