民间艺术的时代转型是个大问题，也是个大问题。为什么会有问题？因为它进退两难。一方面，它面临着社会生活的快速变化。现在的社会结构，人们的生活方式，审美观念都在发生变化。作为生活中应用的民间艺术，必须适应这种变化。另一方面，如何？改变什么？什么是不能改变的？没有先例和例子。如果你变得面目全非，你就会失去自我——这是另一种灭绝，一种在市场中迷失后的灭绝。
再说说民间艺术改变不了什么。我觉得改变不了它的文化和审美特征。这些特征是什么？
首先，它的内容是理想化的。民间艺术主要表达人们的生活理想和精神理想。所有的理想主义艺术都有浪漫的成分。可以说，民间艺术(尤其是乡土艺术)不是写实的、写实的艺术。
第二，民间艺术的核心价值是和谐。和平是社会与人类之间的一种高境界。它包括人与人之间的和谐和“人与自然的和谐”。民俗文化离不开团圆、和谐、祥和、繁荣的理念，这是一切民俗的终极追求，也是民间艺术永恒的主题。
第三，民间艺术有自己独特的审美体系。这种唯心主义艺术在表现上是感性的，在艺术手段上主要采用象征、夸张和拟人，在色彩上持其独特的人生观和五行观。由于民间艺术多用于生活装饰，象征性和图案化是其重要特征之一。再有就是广泛使用的与语言相关的谐音意象——这是中国民间艺术最具文化性和审美性的方式。
第四，中国民间艺术的地域性体现了其无比丰富的多样性。传统民间艺术(尤其是本土艺术)是在各自封闭的环境中逐渐形成的。不同的民族和地区有不同的历史、文化和自然条件，这使得地方美术有自己的题材、艺术风格和审美形式。在全球化时代的今天，这种具有鲜明地域特色的艺术已经成为一种独特的文化财富。
第五，也是很重要的一点:是手工制作的。手工是一种身体行为，手工艺是人的情感和生命行为。手工艺艺术处处体现着艺术家的生活情感，机器制作是没有的。在工业化时代，手工艺技能本身就是一种重要的遗产。
上面我提到了五个方面。如果你想解释清楚中国民间艺术的特点，你需要用一本书。在这里，我只说几个主要方面。换句话说，这些主要特征必须保留，不能改变。
如果民间艺术不再是理想化的、感性的、浪漫火热的审美形式和多变的地域个性，就不再是手工制作；如果变成写实，商业化，机械制造，彼此雷同，民间艺术就没了。
未来社会越来越工业化，保持原有的传统工艺会越来越珍贵。在这方面，日本人做得特别好。我们必须为各民族和各地区的民间艺术留下原生态的根，我们必须严格保存这些重要民间艺术品种的传统材料、传统工艺和代表作品。这些方面必须保持原样，不能改变。比如泥人张彩素，无论如何尝试创新，渔父之女、钟馗嫁妹等传统名作及其制作技艺都必须保留下来，永远传承下去。就像梅派、荀派的传统剧目一样，一定有一代又一代的梅派、荀派后人会唱原唱。
那么，民间艺术应该如何发展？是不是要做圣诞老人，做超女，进了市场卖了钱就发展了？当然不是。
民间艺术的发展并不意味着批量进入市场。不是所有的民间艺术都能像汽车工业一样“做大做强”。俄罗斯的民间艺术已经工业化了，只有娃娃和彩绘的漆盒，埃及只有纸莎草画。太多的艺术已经失去了魅力。所以，发展民间艺术，不能贪快。
首先，民间艺术要为整个民间文化的弘扬服务。我国的许多民间艺术是民间生活中不可缺少的。比如婚丧嫁娶，还有节日，有很多老百姓喜闻乐见的民间艺术。由于生活及其方式的改变，不再适用。比如，由于现代家居装修的变化，没有敞开的大门，原来成双成对驱邪迎福的门神无处张贴；而且现在的门框太窄，不能贴对联；而且手工年画也不能像以前那样贴在墙上了。你能做一些改进吗？比如把门神作为传统吉祥图案，改成小单幅，装饰在门的中央(门的中间)，好吗？这两年春节，一些地方出现了一种“生肖剪纸”，专门贴在门上。例如，今年是猴年。雕刻一只聪明活泼的猴子的剪纸，贴在门上。明年是鼠年，再改成一个乖巧乖巧的老鼠剪纸。每年都有变化，让人喜欢，很受欢迎。这种十二生肖剪纸过去是没有的。但它的出现，不仅弥补了门神缺失带来的习俗缺失，也为剪纸找到了新的“人生驿站”。民间艺术本来就是一种民间产品和生活文化。离开民俗就像离开母体，孤立是很难生存的。民间艺术应该努力丰富和强化民间生活，重新找到自己的存在价值。近十年来，天津的剪纸市场(天后宫剪纸)蓬勃发展，主要是因为剪纸艺术家尽力与生活需求紧密联系。比如这两年很流行一个两三厘米见方的福字，专门贴在电脑屏幕上方。不要小看这个小小的祝福，它能让几千年的感情一下子点燃当代的生活。也让我们明白，在时代的转型中，并不是人与传统疏离，而是传统的情感无可奈何，缺乏载体。如今，传统节日将成为法定假日，传统节日的复兴使民间艺术有了广泛的应用。
然后还有一个更重要的问题。在今天，传统民间艺术除了使用功能和审美功能之外，是否还有其他功能和价值？事实上，当传统民间艺术从生活中的应用文化逐渐转化为历史文化时，它已经发生了质变，文化上的质变。它已经悄然从日常生活中使用的普通物品，变成了一种历史的纪念、象征、符号、记忆甚至是经典。就像马家窑里的陶器，以前只是一个装水的普通容器，现在被视为高贵，放在博物馆的玻璃柜里，需要用警报器保护。现在不是已经有人开始把老皮影戏，手工雕刻的版画，古代女工的刺绣，朱锦雕刻的千工床上的花盘放在雅致的镜框里，装饰豪华的酒店了吗？据说对这种古老艺术感兴趣的人大多是外宾。他们将这些艺术作品视为古老东方文明的一些美丽细节。但我们为什么不这样看待这些昨日的民间艺术呢？可能这些东西已经很久没有离开我们的生活了，我们无法“历史地”看待它们。但是随着时间的推移，我们会逐渐珍惜它们。也就是说，传统的民间艺术明天将不再被应用，而是转化为历史记忆和文化经典。我们的民间艺人是否能走在时代的前面，用新的时代视角和观念去对待这些传统文化，让这些古老的民间艺术以另一种形式——传承回归我们今天的生活。这是适应时代转型的积极方式，也是我们必须改变的观念。文化的转型和文化观念的转型要同步。理想是领先，最坏是落后。观念转变了，前面的路会无比宽广，转型也会容易很多。
另一个问题是将民间艺术与旅游文化相结合。目前，我国旅游纪念品雷同已成为旅游业的一大难题。旅游纪念品最大的特点和价值是，只能在本地买，在外地绝对买不到；另一方面，即使能买到，也没人买。比如在巴黎附近的奥维和梵高故居，可以买到一种特殊的干花——梵高画的向日葵，这是巴黎圣母院没有的。如果圣母院有向日葵卖，没有人会买，因为向日葵在圣母院没有纪念意义。从这个角度来说，民间艺术最能成为一种旅游纪念品——这是由民间艺术的地域性决定的，乡土艺术更是如此，如今我国一些地方的乡土艺术已经成为当地著名的旅游纪念品，非常受欢迎。比如蔚县的剪纸，陕西陇东的布艺，南阳的泥狗，武强年画，苏绣等等。但数量少，主要是因为目前人们对这些民间艺术的“开发”很少从旅游文化和游客心理需求的角度考虑。人们还没有意识到乡土艺术在旅游文化中的特殊价值，或者不知道如何让乡土艺术成为地方旅游文化的一部分。这也是文化转型中的一个重要话题。我们将召开一次特别会议来讨论这项工作。
上面讲了几个思路。这里有一个关键问题，谁来做？当然，民间艺人是主角。民间艺术的创造者是艺术家，艺术当然首先是艺术家的事。民间艺术源于民间艺人的内心。
但是，不可能把所有的问题都放在艺人身上。是文化研究、民间艺术、艺术设计方面的专家学者，包括学习这些专业的学生，主动打开思路，解难忧，出谋划策。
这是因为民间艺人是在世界上一个长期封闭的角落里代代相传的。他们对外界信息了解有限，对自身艺术的价值也不是很清楚，今天的民间艺术所面临的现代文明的冲击是前所未有的，不可预测的，商业化的“话语霸权”是不可抗拒的。恐怕外地的本土艺术家还没来得及理解，就已经被文明变革的风暴吹晕了。如果完全依靠他们个人的力量，很难完成这一划时代的转变。相比较而言，城市的传统工艺还是有市场的，因为它本来就存在于市场中，靠的是珍贵的材料和精湛的工艺。谁能看出以草、木、砖、石为材料的乡土艺术的文化价值和传承价值？这必须得到当代专家和学者的协助——文化学、美术、民俗和旅游方面的专家和学者。这也是我们一再呼吁专家学者把办公桌搬到田间地头的最深层原因。
中国的民间艺术博大精深，灿烂辉煌，但这是过去。今天我们的民间艺术是在爬山，是转型，是全方位的转型。它不仅是民间艺术赖以生存的生活和社会的变革，也是其应用方式和存在性质的变革。但面对这座大山，我们谁都不能缺席，必须齐心协力去攀登。爬山一点也不容易。如何单独解决传统美学与当代美学之间的问题，不是一件小事。但是，如果越过这座山以后，民间艺术所剩无几，民间艺人寥寥无几，后人一定会责怪我们，责怪我们的无能。我们不能坐等后人的批判，而应该迎接他们，帮助我们的民间艺术跨越这个时代转型的大山，让历史的绽放投入未来。
得不到什么，就学画画。
每次走上街头，我总会发现小学生们三三两两背着画夹的颜料盒，形成一道美丽的风景线，让我感到快乐和亲近。最近我住的小区有八九个学生背了图片夹进了美术预科班。好奇心促使我问发生了什么事。结果，我发现这些学生中没有一个对艺术感兴趣，更不用说才华横溢。特别是父母的一句话，让我哭笑不得:“这孩子学习不好，什么都得不到，只能学画画。”我不禁心里一阵难过。是为了这些美术生还是为了我自己？我不知道。画画真的这么堕落吗？美术的饭碗真的能如这些家长所愿，轻易给这些“考不上就来学画”的学生吗？啊，阿弥陀佛，但愿如此。
气泡现象
上世纪90年代初，市场经济的春风吹了，只是你没有看到。一时间画廊多，艺术品美，价格从几千到几万，几十万不等。一些画家在娱乐圈学习，出现在各种笔会上。BLACKPINK出现并开始表演。当下，画师似乎成了摇钱树，都是精品。与之相伴的是，画家的架子大了，口气粗了，儒雅的风度没了，谦和的面孔也没了，就像一个卖瓜的老太婆。她一开口就吹嘘自己的作品多么值钱，多么受外国人的喜爱，多么在国外引起轰动。见时间在口，策在画外。三十六计，吹为上策。
打自己的脸，直到它肿得看起来很有气势——自我膨胀
一些画家渴望给自己裹上金衣，出版画册，举办展览。他们几乎无一例外地采用“堤内补损”的方式，用自己的工资和其他劳动收入，甚至用妻子和父母的钱。看一本精美的画册，观者无法从画面中读出“墨多泪少”。努力笑到最后还不如哭。众所周知，哭也是一门艺术，哭比笑更好，这一点早就被前辈们证明了。为什么需要打脸胖？痛苦就不说了，再瘦下去就更哭笑不得了。
灯塔效应
不得不承认，有少数画家把自己的作品带进市场是相当成功的，名利双收，赚了钱，做了官，有了令人羡慕的荣誉和显赫的地位，这些著名的艺术家自然就成了灯塔，让艺术界看起来熠熠生辉。随之而来的是强大的羡慕和追求者。但是，无论是灯塔还是塔尖，站在塔顶的杰出人士永远是极少数。(只有一二十个有各种关系和靠山的人，才能成为美院的董事长、副董事长、院长。)绝大多数望塔兴叹的追求者，将不得不面对宝塔之巅残酷的淘汰率。是经过深思熟虑调整方向，还是撞南墙不回头，想法只为自己。
一幅高傲的中国画
现在所有的中国画家都很牛，就连离结婚还远的也很牛，不屑于其他画。我认为，我是国家的亲人，地位非同一般。我觉得这是有道理的。不然人怎么会是“郭”呢？中国画历史悠久，博大精深。中国几乎每个人都能轻易说出几个国画大师的名字，更不用说顾恺之、吴道子、董源、、张择端、徐渭、八大山人、石涛，还有现代的任伯年、吴昌硕、黄、齐白石。如果你连一个国画大师的名字都叫不出来，恐怕你不是文盲就是外国人。这是悠久的传统和辉煌的历史积淀形成的霸气习惯。此外，其他一些画种的中坚力量，如徐悲鸿、吴作人等，也纷纷投奔中国画阵营。这使得中国画的阵营空前壮大，对其他画种的影响也不能用一败涂地来形容。一个自认为根植于苗正祖根基的正宗中国画家，如何不狂妄自大？但是，我想说的是，中国画家不要太牛。他们祖辈的功绩早已淹没在历史的长河中，捧着“我们以前比你们富裕多了！”你是什么！“不用说，大家都知道这就是阿q精神，如果你想说其他画种的作者，你可以拿起画笔，铺上宣纸，再在上面放点笔墨，就可以做出国画了。这是个拖累，至少不会是个好作品。另一方面，如果一个中国画家想改变他的工具来画油画，他将更难雕刻版画。那是泥瓦匠的大锯。我找不到尺寸。听说江南有个小镇，男女老少都可以水墨，以至于游客蜂拥而至，花10到20元买一幅像圆点的国画。从这一点可以看出国画的难处，以及容易泛滥的弊端。从流传来看，中国画受地域和民族限制太大，目前只流行于华人圈。让中国画真正走向世界，绝不可能一蹴而就。因为是我们国家的国粹，所以不可避免地包容了很多传统弊病——内斗。中国画领域自古以来就有内战，从未间断。人物不服山水，山水看不起他们；你说我没有笔墨，我说你的笔墨等于零。这么闹下去，中国画走向“死胡同”，成为“废纸”也不是没有可能。俗话说，听人话，吃饱饭。中国画家，放下成见，齐心协力把中国画推上国际舞台，是他们的责任。
一幅挂着半个瓶子的油画
油画是纯粹纯粹的西方物种。它在中国不过百年，充其量只是一个萌芽的萌芽。正是因为嫩，才显得清新可爱。就像刚孵出来的小鸡，它毛茸茸的羽毛真的很可爱。与国画相比，它的大小、空间、肌理、色彩都能把一个人画得一模一样，着实让国人惊讶了一段时间。但是，把油画作为一种工具去画像，去描绘真相，显然是不高明的。于是有人把油画的色彩当成颜料，堆起来涂抹，以为这就是现代油画。众所周知，油画作为一种文化形式，它的发展必然要遵循一定的规律，必须要有传承和积累。心浮气躁的话，只能学点皮毛手艺，学点卖弄，可以在家人面前炫耀一下。要想走向全球，与高手一较高下，恐怕只能想想了。中国的油画还处于模仿徒弟的阶段，离当老师还很远。即使是一些著名的油画家，谁不是在镜头前苦苦挣扎？在他们的作品中，只有印刷照片的功能被油画颜料这一媒介所取代，因此很难看到一个生动而鲜明的艺术形象，更不用说艺术作品的独创性。纵观他们的创作，我们几乎可以找到每一部作品的发生地和主人。我承认他们的作品是艺术，但只能是庸俗的艺术，甚至是庸俗的。有人说我否定油画，我不敢。人们也一直是中国绘画的最高领导者。
墙内有花墙外有香的版画
版画起源于中国，有两千年的历史。正如鲁迅先生所说:“中国木刻版画从唐朝到明朝有一段象样的历史。”要说中国艺术走向世界，是最早与世界接轨的。随着造纸术和雕版印刷的输出，中国的木刻版画传入欧洲，开始向国外学习，在欧洲迅速发展，成为有创意的木刻。20世纪30年代，鲁迅先生将其重新引入中国，并迅速走向繁荣。60年代与国画、油画竞争，形成国、油、印三足鼎立的局面。然而时过境迁，版画的辉煌已不在。目前能保留原址已经很幸运了，更不用说和国画油画竞争了。看着成功的版画家，他们以新的面貌画中国画和水彩画。鲁迅先生能不心寒吗，因为他知道地下的一切？在国人不太或不太认可版画的情况下，中国版画却意外地在国际版画大展(世界版画界公认的、知名的权威展览)中获得了诸多奖项，无意中成为中国艺术在国际舞台上赢得荣誉的唯一画种。日本艺术评论家大宫野二郎说:“从国际社会的版画活动来看，中国新兴的版画运动在世界上是独一无二的。它的健康和清晰的气质也很清晰。”国际版画协会会长佐藤敬彦先生说得更直接:“中国版画家创作了许多令人振奋的优秀作品，受到世界版画界的高度评价。”事情的发展真的很有意思，让人哭笑不得。版画的现状就像“英雄无好妻，赖汉娶美人”，是文化环境造成的，而不是版画本身。我劝有兴趣的朋友仔细研究一下这些版画家的作品。我敢说你会重新定位版画。比如、宋、、周盛华、康宁等人，他们的版画作品无论是意境、风格、格调、品位都是令人惊叹的。虽然版画界不乏大师，有很多精品，有很多奇葩，世界画坛也给了他们相当大的荣誉，但是，他们的知名度几乎仅限于版画界，远远达不到知名国画一级画师的水平。面对拍卖行里飞涨的价格，人们像扔废纸一样往国画和油画里扔硬币，版画的正面显得冷清。作品得不到金钱认可的尴尬，让版画家转投国画和油画也就顺理成章了。谁能拿着长期不被商家认可的宝石过苦日子？我想告诉版画家，只要是金子，迟早会发光。耐心点，好运就会到来。
沉浸在甜蜜中的雕塑。
欧式雕塑在中国的历史很短。自传入后，在我国屈尊作画。虽然人们把绘画和雕塑并列提及，但在国人眼中它排在最后。也许是受这一代人的影响，似乎所有的雕塑家都或多或少的低人一等。和林黛玉一样，进了贾家，怕说错话，走错一步。他们总是处于多做事少说话的状态。国画界的口水仗打不完。有谁见过或听过雕塑领域的口水战？连个小争执都没有，一片寂静，大家都很熟悉。雕塑家都是笨手笨脚的吗？心里没想法，不想表达？答案当然是否定的。他们用这种能量创造。刘开渠、华天佑、王林义、钱绍武等人是这场萎顿的领导者。他们一点都不浮躁。他们沉入底层，扎扎实实的创作，让作品体现生命力，雕塑语言体现夸张变形，而不是作品不出现。作者自己先变了形，作品也不抽象。画家们自己先取了风。什么东西浮在水面上不停的溅起水花，只有小鱼小虾才能做到。没有狂躁的相互攻击和发泄，没有煽情的帮派流派，没有雕塑界激动人心的豪言壮语，但它却在无声处给世界留下了丰碑，令人震撼。当然，雕塑家也赚了不少钱，也就是人们常说的:“这傻小子把钱都赚了。”但我没有嫉妒的意思。我只想说雕塑家好！
艺术展的尴尬
在美术馆和展厅里，一如既往地不知疲倦地举办着各种艺术展览。但令画家们尴尬的是，来参观展览的人越来越少。画家举办一个展览需要付出很多努力，只有把作品展示出来让大家观看后才能达到目的。现在，几乎所有的艺术展览都不再美丽。除了画家雇来的同事和亲友在开幕当天拜年，真正花钱买票看展览的人屈指可数。用展览来宣传自己的作品，恐怕是画家的一厢情愿。时至今日，全国大型美术展览依然彰显着官方沙龙的权威和主导地位，依然对画家散发着强大的磁性吸引力，但也遭遇了观众流失的窘境。全国美展的作品往往热衷于大题材、大分量，真是吃力不讨好。一个字“累”可以概括全国美展。作者画腻了，观众看腻了。累到作者会筋疲力尽，观众也会累，这不是什么新鲜事。现在是知识爆炸，媒体爆炸，旅游意识越来越强的时代。人们掌握知识的途径足够多，学到的知识也足够多，真正的闲暇时间越来越少。那么，谁愿意再走进美术馆去读图学过时的说教呢？而且，什么样的作品才是杰作？毫无疑问，它是一部反映时代，体现当代人精神面貌和精神实质的作品。首先必须明确，我们已经不是一个全民勒紧裤腰带，鼓吹“无内债无外债”，自己又肿又胖的时代，也不是一个鼓励造反，乱世越好，与人斗其乐无穷的时代，更不是一个知识匮乏，缺乏媒体牌匾，盲目崇拜英雄领袖的时代，所以名著的内涵不可能一成不变。让旧的大作模式束缚我们的新思维是愚蠢的。如石涛、、任伯年、吴昌硕、黄、齐白石，哪一位是代表作？哪一部不是佳作？徐悲鸿的代表作是马？还是人物画？现在的画家无论是数量还是质量，以及生活的环境都优于前辈，努力的也不在少数。他们担心自己无法创作出杰作。确实令人担忧，但他们只是缺乏发现，或者是盲目的。为什么现在电视小品流行？为什么观众如此喜爱小品，以至于在春晚中独领风骚？原因如下:一是快餐文化与时代合拍；二是融合了多种艺术，幽默风趣；第三，针通用，贴近群众。对于艺术界来说，是否应该从中得到一些启示？
铁血评委，流水展。
艺术展像灯笼一样在变化，但很少有人能打动观众。中国的艺术展览有一个奇怪的现象，就是作品在变，作者在变，展览的名字也在随时代而变，但评委却一成不变。我踏上创作之路已经20多年了，就连当初的评委也依然活跃在艺术展的评选活动中。老先生十几二十年的敬业精神令人感动，令人敬佩，但敬佩之后，却是一片哀叹。艺术展评委长期不变的现象反映了什么？这不能不说是一种悲哀。我觉得法官不应该职业化，职业化的法官一定会带来标准化、固定化甚至僵化的选拔标准。而且艺术展的评委多是艺术院校的负责人。他们在艺术创作和研究上投入的精力不多，修养和艺术水平参差不齐，文化走向和审美意识也各不相同。他们不必用一些僵化的旧观念、旧眼光来看待问题，这是必然的。特别是全国综合美展的省评委比较有意思，国、油、版。雕刻、水彩画、年画、卡通、甚至剪纸等等。，都是省内知名、有艺术气息的，都成为了评委，为自己认为的“好作品”投下了“庄严”的一票。俗话说的好，交替空间就像一座山。你画水彩画和漫画是为了给版画投票。你不是隔着一座山，但我怕也是一条河，只能随便扔。你投的作品艺术质量和农民分配有什么区别？这才是一些优秀作品进不了艺术展的真正原因。几乎所有塞尚的作品都被官方艺术沙龙的评委挡在了展厅之外，雕塑家罗丹不得不愤怒地面对展厅里的评委来雕刻他的作品，这让刻板的评委们瞠目结舌，也让他的作品进入了展厅。这样的例子不胜枚举。我们的评委表现如何？说实话，不怎么样。