从艺术的分支来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大分支，主要是根据描绘对象的不同来划分的。中国画中的动物、鞍马、昆虫、水果、蔬菜可以分别归入这三类。
中国画在构图、用笔、用墨、用色上也有自己的特点。一般来说，中国画的构图不遵循西洋画的黄金律，不是长卷就是竖轴，长宽比例“失衡”。但它能很好地表达特殊的意境和画家的主观意趣。同时，中国画和西洋画在透视上是不同的。透视是绘画的术语，就是在绘画时，把所有的物体都正确地表现在平面上，使其具有空间感和立体感。这种方法叫做透视法。因为透视的现象是近的大，远的小，所以常被称为“远近法”。西洋画一般用焦点透视，就像拍照一样。它固定在一个立足点上。由于篇幅的限制，拍进镜头的东西都会如实拍下，否则就不拍了。中国画不一定固定在一个立足点上，也不受限于一个固定的视界。它可以根据画家的感受和需求，移动立足点进行绘画，将所有可见和不可见的场景吸收到自己的画面中。这种透视法叫做散点透视法或多点透视法。众所周知，北宋名画和张择端的《清明上河图》都采用了散点透视。《清明上河图》反映了北宋都城汴梁内外丰富、复杂、多彩的景象。它以汴河为中心，从遥远的国画到热闹的“虹桥”；观众可以看到城市和乡村；你既可以看到桥上的行人，也可以看到桥下的船只；你不仅可以看到附近的阳台树，还可以看到远处的街道和河港。而且，无论站在哪里，风景的比例都差不多。如果按照西洋画中专注于机器的方法来画，很多地方根本画不出来。这是我国古代画家根据内容和艺术表现的需要而创造的一种独特的透视方法。
笔墨方面，是中国画造型的重要组成部分。使用钢笔强调厚度，缓慢，沮丧，转动，方圆和其他变化来表达物体的纹理。一般来说，起笔和停笔都要用力，手腕要僵硬，中间的气不能断，笔不能轻挑。用笔时，力轻，浮，力重，滑，动作迟缓，用薄，正在用板。要弯如弓，直如尺，这都是用笔的问题。古人总结的钩线十八笔，可以说是中国画用笔的经验总结。至于用墨，则强调揉、擦、光、染的相互作用，干、湿、浓、淡的合理配置，以塑造形体，烘托气氛。一般来说，中国画用墨之美，在于浓淡搭配。一切浓淡都没有精神，都要有浓淡，浓淡要精彩但不停滞，浓淡要婉约但不灰暗。使用墨水也像使用颜色一样。古代有将墨分彩的经验，也有惜墨如金的画风。用墨时，要有一股浓浓的讲生命与和谐的结合，做到浓中有淡，淡中有浓；有强有次强，有轻有轻，都是中国画用笔的灵活方式。因为中国书画在工具和笔触上有很多相似之处，所以结下了不解之缘，古人早就说“书画同源”。但是，两者也有区别。书法多变，尤其是草书，比绘画更胜一筹，绘画用墨丰富多彩，超过书法。笔墨一词被认为是中国画技法的总称。它不仅是塑造形象的手段，而且具有独立的审美价值。
国画在着色上也有自己的讲究，使用的颜料多为天然矿物或动物壳中的粉末，抗风、耐晒，会保持很长时间。着色方式多为平涂，追求物体固有颜色的效果，很少改变光影。
中国画的一般特征
用几句话简洁地回答以上问题并不容易。中国画有着悠久的历史。它适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法、程式化表现上都有自己的特色。这些特点正是目前中国画论者正在讨论和总结的。这里有几个例子。
一、重在立意，有答案——中国画的立意
在中国画的创作中，立意是第一位的，很多绘画理论家首先强调这一点，无论是画山水、人物还是花鸟。
唐代张彦远在《历代名画笔记》中写了一段关于“六法”的话:“丈夫的形象要塑造，塑造要有骨气。”骨干也差不多。一切源于大意，取决于笔端。“他相信意图就是目的。只有在绘画中，才会有变态和奇异的意义。
华光，宋代著名的画梅花的和尚，被称为钟仁。作为华光作品流传下来的《画梅指》中，有一段“画梅全”，开头是“画梅全，生意第一”。清代放勋写了《静山论画》。在这里，他还强调了构思与绘画的关系。他说:“作画首先要明确自己的定位，意为奇，意为高，意为远，意为深，意为古。”他认为平庸的画才会平庸，庸俗的画才会庸俗，因为画缺少了画家最珍贵的“立意”，所以作品平庸。
文艺复兴时期的意大利画家达芬奇也有类似的经历。他曾经说过，“一个画家应该描绘两个最重要的东西，人和人的思想和意图。”这与我国晋代人物画家顾孝之提出的“妙而密”的思想非常一致。
“意义”从何而来？一是画家对现实生活的丰富观察和充分积累的创作经验；还有一点就是画家的自身修养，这样在创作之前，画什么，怎么画都已经在脑海中形成了一个成熟的想法。
宋代画家文被别人称赞为“胸有成竹”，即他在动笔之前，脑子里就有了竹子的形象，准备动笔了。“‘有计划’已经成为我国称赞的善于计划和安排事情的成语。
在张彦远提出“立意”这个概念之前，南方生产时代的谢赫就有了“创意”和“立意明确”的理论。创意画不落俗套，立意精准，借景而居，笔画少但寓意多。从这个意义上说，作为一个画家，不仅要在平时注重练笔，磨砺个人的表现技巧，更重要的是，要认真加强练意的技巧。值得注意的是，很多画家往往只注重练笔而忽视练意。
二、用线造型来表现精神——中国画的造型法则
中国画是以线的形式，通过线来画出轮廓、肌理和体量。德国诗人歌德说，艺术用光来表现其生动的表情，可见光是西方绘画中的造型手段之一。而中国画以线条造型为主，在造型手段上明确区分了中西绘画。但是，这并不意味着西方绘画完全拒绝线条的使用，而是光线可以作为绘画的主要语言。法国罗丹曾强调“一条规定的线贯穿宇宙”，指的是造型艺术是如何脱离宇宙的，并没有把它作为绘画的主要表现手段。而国画，却积累了非常丰富的线型，巧妙地刻画出各种形象，无论是山川的断纹，还是衣服的线条。
“以形写神”是晋代画家顾恺之的一句名言，奠定了中国艺术神优于形的审美观。它与欧洲现代的审美观有很大的不同，欧洲的审美观是纯抽象的，即画人不仅是形似，更是神似，画人的精神面貌，不止步于形的模拟，不拘泥于自然的真实。这一理论是艺术家在建立艺术时应该努力达到的高度，在这一理论的指导下，历代出现了许多刻画生动的优秀作品，成为指导绘画的重要标准。
三、多点透视计白为黑——中国画的构图法则
中国画既用焦点透视，又用散点透视，既严格坚持实景空间和布白，又根据构图的需要打破实景空间和布白，使物体出现在画面中时，能根据画面上物体的艺术需要改变形象，改变位置。低于视地平线的牡丹花也可以放在朱平线以上，以达到最佳的透视效果。
中国画特别注重对留白的管理，往往借用书法的手法，以白为黑，即没有画的部分要像有画的部分一样仔细推敲和处理。
四、色彩与阶级的和谐——中国画的色彩法则
中国画的色彩不受光源冷暖色调的限制，更注重物体本身固有的色彩，而不是强调特殊光线下的条件色。在给一个物体作画时，赋予它基本的色彩，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的和谐。
五、情景生动传神——中国画的意境
中国画要求笔墨、情感、景物的结合，现实中无限丰富的场景，画家有很强的形象感染力。有了这种感觉，画家激起了描写这些场景的激情，于是作品以场景的复制品的形式再现，将场景融合在一起。
至于气韵生动，即画家所创造的艺术精神，不同于一般的素描绘画，应该是生机勃勃，清新活泼，具有诗情画意，使观者神往。如果没有表现出如此生动丰富的内涵，当然无法给人这些感受，也达不到中国画那种令人神往的意境。
六、诗歌、书法和绘画、印刷纸和笔——中国画的独特形式
可以说，只有中国画才能有题字盖章的做法。不仅文人画可以在诗词书画中展现自己的绝活，就连普通的画也总是需要题字盖章，才能有浓郁的传统艺术气息。
题跋和诗词可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也可以丰富结构的变化，起到相互映衬、相得益彰、点缀和平衡构图的多种作用。
中国画的工具和材料的表现也决定了中国画的特点。中国画用绢和纸作画，尤其是生宣纸的出现，充分发挥了笔趣和墨色。宣纸的通透性和毛笔的尖锥使笔尖变化无穷，产生奇妙的效果。同时也形成了各种模仿和描写，绘画和笔法。
答:国画内容。
中国画(又称国画)是中国特有的一种绘画。由于民族性格、历史文化传统、审美以及绘画材料和工具的差异，它是经过无数画家的努力而形成的一种具有民族特色的绘画，是世界艺术的重要组成部分。
1中国画是中国传统造型艺术之一，简称中国画。
中国画的工具有哪些:笔、墨、纸、砚？
中国画可分为人物、山水、花鸟三大类，在表现形式上又可分为工笔和写意。
中国画讲究形式美，要求作品具有“形神兼备”、“气韵生动”的艺术效果。同时也非常重视笔墨的运用。构图不受时间和空间的限制，也不受焦点透视的束缚。空白屏幕的使用是独特的。中国画强调诗、书、画、印完美的整体艺术效果。
5墨分焦、浓、重、淡、清五种颜色。
中国画笔墨有“墨分五色”之说，即焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨。
从笔的水量来说，有干、湿之分，可以概括为:干、湿、浓、淡。
关于墨有三种方法:蘸墨、泼墨、积墨。
国画用具:生宣纸、毛笔、衬纸、洗笔、调色盘、书画墨、国画或水彩颜料。
7中国画笔法:中、侧、反、正。山水画的笔法:刷、刷、点、染。
中国画用笔主要有以下几种方式:正中、侧翼、反击。除此之外，用笔还有多种方式，如隐锋、露锋、散锋、聚锋等。