一击
“艺术的中心..美国建国时间短，没有太多传统包袱，美国式的实用主义与流行文化密切相关。开朗进取的民族性格让美国人比英国人更容易接受“波普”艺术和设计。自己
第二次世界大战
杜尚之前把“现成艺术”带到了美国，导致了美国战后抽象表现主义艺术的泛滥和“波普”艺术的出现。比如罗伯特·劳·申伯格(Robert Law Schemberg)用现成的物件进行创作，表现了抽象表现主义艺术向“波普”艺术的转变，劳·申伯格(Lao Schemberg)极力将艺术与非艺术相结合，他提倡“艺术家与环境的合作”。“与环境的合作就是与自然的合作，技术就是“当代自然”。曾组织“环境与技术实验公司”，“促进工业、技术与艺术的必然合作”1985罗伯特·劳·申伯格(Robert Law Schemberg)在中国的“波普”作品。
无题中国
。作品采用拼贴的方式，除了画面中两把巨大的黄色篷布伞代表了艺术家引起的联想之外，并没有什么特别的意义。1962，包括罗伊·李·希顿·斯坦，克里斯·奥登伯格，
安迪·瓦霍尔
一群“波普”艺术家举办展览，标志着美国“波普”艺术和设计真正成为一种有影响力的潮流。1968期间，纽约举办了现代艺术展。许多“波普”艺术家展出了他们自己的灯具、家具和其他“波普”艺术品。1970年，奥登堡设计了一个充气沙发，有太空飞行风格的影响。在同一年
日本大阪
在世博会上，美国“波普”艺术家与设计师和工程技术人员合作，安排了一个名为“波普”的项目
百事可乐
广告展厅营造了震撼效果。1966 Gunnar Sreen设计的“波普”玻璃器皿，明亮的装饰条纹，反映了“波普”艺术在世界范围内的广泛传播。
现代商业插画的风格在大多数人对插画的理解还局限于绘本、漫画、儿童绘本等低端文化产品的时候，插画已经以迅雷不及掩耳之势渗透到人们生活的方方面面，从人们津津乐道的动漫大片到手边唱片的封面设计，甚至超市里随意的商品logo，插画及其衍生品无处不在。人们不用翻字典就可以每天体验“插图”的含义。我们还是需要明确一下商业插画的概念:“商业插画是作者在为企业或产品绘制插画并获得相关报酬时，放弃作品所有权，仅保留署名的权利的商业交易。”
事实上，现代生活中插图的力量来自于“艺术”和“商业”。商业插图作为广告传播的一种形式，是现代商业活动的重要组成部分。大多数商业插图是委托制作的，有明确的创作目的；同时随着印刷技术的发展被大量复制；商业插画离不开大众传媒，它注定带有强烈的时代烙印和文化特征。
商业插图的流行文化
商业插画的繁荣可以追溯到二战后，欧洲国家由于材料的极度匮乏而停止了设计业的发展。此时，美国的商业设计蓬勃发展。从一开始就表现出与欧洲设计不同的出发点——不仅仅是针对富人阶层，而是基于普通人和大众消费。高贵精致已经不重要了，多变的款式、夸张的装饰手法、低廉的价格才是人们追求的。相应的，出版业也在蓬勃发展。《读者文摘》、《生活》、《时代周报》等刊物风靡全球，发行量均超过百万份。这些杂志印刷得越来越精美，大量的广告灌输给消费者，刺激了他们的消费欲望，客观上刺激了商业插图的需求。此外，图形语言天然的可读性使得商业插画的应用越来越广泛。商业插画的应用也从书籍插页扩展到各种时尚杂志、户外广告、包装设计、影视广告等。流行文化是当今商业插画的主要领域。
五六十年代，青少年成为大众文化的主要消费者，七十年代，成为推动西方社会变革的主力军。这一代年轻人成长在一个富裕的时代，接受了良好的教育。他们对新鲜事物的热情，对传统价值观的冷漠，与父辈完全不同。他们更热衷于摇滚乐、流行艺术和嬉皮士文化。在这一时期，商业插画也受到了各种流行文化的影响，形成了鲜明的风格趋势。当时很多标新立异、与众不同的东西很快被模仿，形成了新的消费方式、形式和时尚。由美国波普艺术家约翰创作的“靶心”和“国旗”等意象经常在不同的商业插画中反复出现，成为代表波普风格的视觉符号。在嬉皮士文化运动中，威尔逊具有“新艺术”风格的字体海报作品，由于字体过度变形而难以识别，但由于它反映了嬉皮士文化的反文化，在形式上给人一种怪诞、狂野的感觉，符合嬉皮士青年的情感要求，因此也被作为一种象征性很强的标志。正是通过吸收和利用不同的流行文化符号，商业插画成为年轻人表达个人观点的手段和区分不同意识形态的有力武器。流行文化的另一股力量来自日本卡通插画，80年代后逐渐成熟，在亚洲青少年中流行开来。动漫插画带动的电子游戏、动漫、玩具行业的兴起，形成了影响我们生活的文化潮流。
商业插图的艺术形式
现代商业插图的形式主要通过媒介进行分类。一般可以分为三类:一是平面媒体，二是影视媒体，三是网络媒体。平面媒体形式的插图主要分为期刊、报纸、海报、产品包装和企业形象宣传材料。这类商业插画发行量大，流传广，制作周期短，可以涉及到人们生活的方方面面，也是最常见的用户。影视传播媒介形式的插画主要分布在电视和电影中。它们和影视广告的区别在于画面的相对稳定和静止。这种形式的插画传播快，包含的信息量大，比较强。作为影视插画，也是厂家和企业加强商品宣传推广的有力媒体。网络传播形式的插画是随着计算机网络的发展而发展起来的一种新的插画形式，其主要载体是计算机网络，其特点是形式独特、互动性强、空间表现性大。插画作为一种新的插画形式，也有其局限性，即受众水平参差不齐，但随着时代的发展，这种局限性会逐渐消失。通过对这三种形式的分析，我们可以看到，商业插画作为视觉传达的一部分，必然有它的空间，这是社会、商业、文化所赋予的。它从一开始就不再是简单的局部传播特定信息的艺术形式，而是发展成为在时间、空间、受众上传播信息、传播影响、服务社会的视觉传播元素。
商业插画的表现手法要注重插画的通俗性和实用性，所以大部分商业插画采用的表现手法是表现客观事物，主要分为写实、抽象、混合三种形式。
商业插图经济产业
对于经济问题，我们得先了解插画产品是如何流通的。事实上，它和任何现代产品一样，在进入市场的过程中需要经历三个步骤:生产-销售-消费。
1，插画师
作为数字时代的设计师，必须掌握几个基本的绘图工具，并熟练使用，如Photoshop、Illustrator、flash等。，因为大多数插图都是通过电子文档的格式交付的。
同时，插画师的工作风格也更加自由和多样化。设计师自己可以选择去设计公司工作，成立自己的工作室，或者兼职。由于软件、硬件和传播手段的高度发达，越来越多的插画师倾向于以个人的方式介入市场。一些明星插画师大多是自由职业者。良好的信誉和优秀的人才让他们更容易获得业务。
互联网时代，做个人在线作品集网站是获取客户资源的好方法。它的好处是客户可以随时看到你的网站，了解你的工作风格，这为设计师提供了很多潜在客户。
2.分销商(销售渠道)
在艺术作品的传统销售渠道中。画商一直扮演着重要的角色，用挑剔的眼光寻找画家的作品，寻找买家从中获利。
虽然插画师和客户有直接的业务联系，但毕竟要找到客户还是要花很多时间。所以很多人选择专业机构代理作品，联系相关商家和展会。这些公司实际上扮演的是艺术品经销商的角色。
3.消费插图的人
消费插画的人群中会有热心消费者和偶然消费者的区别。
同一个插画产品，不同的人喜爱的程度不同。比如文革时期的一本老漫画。年纪大的人会对它表现出强烈的喜爱，而年轻人则毫无兴趣，主要是年轻人对这本老漫画没有相关的文化经验。这种文化体验使人们对插画作品的象征意义感兴趣，从而产生了热情的消费者。而且消费者越喜欢这类产品，越关注，积累的相关经验和知识也越多。与那些休闲的消费者相比，他们对作品的看法不同。
商业插画不同于一般商品，它是一种文化产业。它的运作不同于其他行业自身的规则。美国经济学家凯维斯在《创意产业经济学》中提出了文化产品的纵向和横向差异。他指出，“文化产品在特征、基调和风格上也是不同的，它们独立于买方对产品质量的评价。”在经济上，他们有横向差异。当有横向差异的产品以同样的价格出售时，人们的偏好是不同的。创意产品通常是纵向和横向差异的混合体。“正是文化产品的这种特性构成了它的种类，消费者从中受益。
商业插画设计往往表现出不同文化产业合作的特点，流行的漫画作品也不仅仅是作为印刷出版物大量发行。也很有可能被改编成动画片，甚至是电影和电视剧。这种现象已经演变成一种趋势。插画设计引起或催生的其他相关产业可以称为“附加值”，这种文化产品附加值的运作也应视为插画长期利润的一部分。在这方面，迪士尼的经验值得借鉴，米老鼠的形象已经从漫画书搬到了银幕上。并成为杂志、服装、网站等文化产品的形象代表，成为当今数十亿美元娱乐帝国的形象代表。但如何签订合同准确界定插画及其在其他行业的附加值利润分成，对于商业插画行业来说是一个新问题。
尽管有些人仍然不屑于艺术和商业的结合，但不可否认的是，它们的结合已经结出了丰硕的果实，这种趋势是不可逆转的。就像商业插画明亮而短暂的外表一样，这个时代的态度令人振奋，发人深省。
到底什么是波普艺术？能简单说一下吗？波普艺术。
20世纪50年代中期以后的十年里，波普艺术在美国和英国发展了一个新的艺术流派，被称为“波普艺术”。这些被称为“波普艺术家”的人，在这一时期的创作中有着* * *般的相似性。他们以流行的商业文化形象和城市生活中的日常事物为题材，创作手法往往体现出工业化和商业化的特征。导致波普艺术的因素并非随处可见，英美战后的城市文化是其生长的特殊土壤。只有与这种城市文化近距离接触的艺术家，才能把握波普艺术独特的风格和表达方式。
人们认为狭义的波普艺术起源于英国，而不是美国。1952年底，一群年轻的画家、雕塑家、建筑师和评论家在伦敦当代艺术学院召开了一次会议。这个自称“独立”的团体专注于流行文化及其意义，如西方电影、太空小说、广告牌、机器之美等。这些现象在当时都被认为是反审美的。这个群体痴迷于新的都市流行文化，尤其被美国人的表达方式所吸引。一方面，当时的美国在英国人眼里是一个从尼龙制品到新式摩托车应有尽有的理想国家。另一方面，40年代的英国艺术界被严重的浪漫主义斗争的气氛所笼罩，英国波普艺术是对它的一种反应。
1956，“独立派”举办了名为“这就是明天”的展览。展览中最具感染力和影响力的作品是RichardHamilton放在入口处的一张海报，题为‖是什么让今天的家庭如此迷人？(图1)。图片是从画报上剪下来的现代公寓，里面有一个肌肉男和一个傲慢的裸女。公寓里有很多文化产品:电视、录音机、放大的漫画书封面、一个福特徽章和一个吸尘器的广告。透过画中的窗户，你可以看到一个电影屏幕，显示了电影《爵士乐歌手》中阿尔·乔尔森的特写镜头。这个男人手里还拿着一根巨大的棒棒糖，糖果上有三个大大的字母POP。POPArt一词由此而来。Pop不仅是棒棒糖的后缀，也是“流行时尚”的缩写。
在美国，波普艺术是对20世纪50年代盛行的抽象表现主义的回应。一方面，抽象表现主义的作品被视为艺术家独特个性的展示，完全是个人的、主观的、精神的。它强调艺术的纯粹性，成为精神高贵的艺术。另一方面，由于这种灵性在于即兴创作，完全是个人化的，很多后来者纷纷模仿，所以似乎这种“高雅”的艺术人人都能做。可惜这些作品大多只有炫目的画面，却很难展现精神。可以说眼睛很多，但是真的很少。波普艺术大胆尝试新材料、新主题、新形式来解决抽象表现主义的问题。20世纪60年代，波普艺术将“生活”和现代城市生活带入了博物馆和美术馆。第一次让“波普”这个称号在世界范围内流行起来的集体展览，是1962年在悉尼Dzhanis画廊举办的“新写实艺术家”展览，汇集了这一潮流的艺术家(包括欧洲艺术家)。其次是1963举办的两个展览:“六位艺术家展”和“大众影像展”。
在某种程度上，美国确实影响了世界上所有的波普艺术。由于美国商业文化的强大影响，在世界上几乎任何一个国家都可以看到好莱坞电影和麦当劳汉堡，这已经渗透到许多文化中，成为一种可以消费的流行文化。另一方面，波普艺术是一种“工业”艺术，RoyLichtenstein曾说:“随着美国越来越受到工业化和资本主义的冲击，其价值观似乎更加扭曲。我觉得我创作的意义在于说明它是工业的，这也是整个世界的方向。欧洲很快也会如此，所以波普艺术将不再是美国的，而是全球的。”
波普艺术抵制了一位著名评论家的座右铭:伟大的艺术一定是困难的艺术，波普艺术家经常使用拼贴或批量复制，这似乎更容易。“波普艺术是现代电影中的速溶咖啡和宽银幕。它不是僧侣统治下的拉丁语，而是流行艺术”流行艺术的吸引力与其范围一样广泛。它接受生活中的一切和所有更普通的方面。它仍然是艺术，但绝不是为艺术而艺术。
说到英美波普艺术，首先要提到的是美国人劳申伯格和贾斯珀约翰斯，以及英国人理查德·汉密尔顿。劳申伯格于1925年出生于得克萨斯州，在20世纪40年代末开始学习。早期受抽象表现主义的影响，他在50年代初画了一系列全白的画，上面唯一的图像是观者的影子。后来，他画了一系列全黑的画，但这些画不是他的第一幅。后来他向“组合绘画”方向发展，用生活中普通的东西组成画面——啤酒瓶、废纸箱、旧轮胎、报纸、照片、绳子、麻袋、枕头等等。画布和固定在画布上的物体构成了一幅作品，《床》(图2)就是这类作品的典型。作者只是简单地把睡袋和枕头挂在画布上，然后在上面撒上一些颜料。这样在他的作品中使用现成的产品，目的是打破艺术与生活的界限。正如他所说，“绘画既是艺术，也是生活，两者都不是做出来的。我想做的事情就在这两者之间。”同时，他的作品有抽象表现主义的痕迹，往往有很大的气魄。
劳申伯格的艺术哲学受到约翰凯奇的影响，约翰凯奇是他在黑山学院工作时遇到的一位实验艺术家。他是1951年认识凯奇的，两人走得很近。凯奇从禅宗的角度影响了劳申伯格:“判断是没有意义的，因为不存在这个东西比别人好的事实，艺术不应该与生活不同，而是生活中的一种行为。”
在劳申伯格的创作生涯中，他一直与周围的城市和技术社团保持联系。他的“综合”手段可以反映一个时代的丰富图像。比如在符号“”中(图3)，我们可以看到所有具有美国60年代特征的信息，包括明星总统肯尼迪，黑人领袖马丁·路德·金，越战士兵，登月宇航员。
约翰的职业生涯与劳申伯格的有许多相似之处。在他们发展的关键时刻，曾经共用一个工作室。约翰以其独特而平凡的形象而闻名。一排数字(图4-1)、目标(图4-2)、美国国旗(图5)、美国地图等等已经成为波普艺术的经典，他选择这些图像是因为他认为它们不会产生任何能量。他想强调的是“绘画是它本身，而不是任何其他物体的再现”。
约翰无意通过作品表达对艺术或社会的批判。在他看来，艺术家想做什么是他的绝对自由，不应该因为顾及评价而受到限制。他认为在大多数情况下，作品会被误解和误用，艺术家无法控制局面和他的作品被评价的方式。他一点也不介意这种有趣的情况。他的一个著名雕塑是用铁复制两个啤酒罐(图6)，这通常被理解为对某种社会现状的批判。但实际上这种创造纯属偶然。“我用小物件——手电筒和灯泡——制作雕塑。然后发生了一个故事。不知何故，威廉·德库宁被我的经纪人惹恼了。他说，‘那个狗娘养的，如果你给他两个啤酒罐，他就能卖掉。’我听到这句话，心想:‘多好的雕塑啊——两个啤酒罐。’它似乎完全符合我的口味，所以我做了——然后我的经纪人把它们卖掉了。"
在英国波普艺术运动中，理查德·汉弥尔顿是与美国的劳申伯格和约翰齐名的艺术家。这三个人在对达达主义的浓厚兴趣上更为相似。汉密尔顿的个人成长过程对他的艺术成就产生了重要影响。与大多数其他艺术家相比，他实际上是一个自学成才的人。14岁小学毕业后开始从事广告工作，同时在多所艺术学校上夜校。他的教师经历成为他绘画生涯的另一个强大影响。长期教授设计课程，让他特别注重解决问题的能力，也让他常常是一个实用主义者。1957他说他追求的品质是大众化，短暂，实惠，搞笑，性感，噱头，迷人，而且一定是廉价，量产。
虽然汉密尔顿广泛使用美国主题，但他不是美国风格的艺术家。他总是愿意解释他的作品，有时非常详细。比如作品‖ She ‖就是很多广告图片的集合:有“杨娇”牌冰箱的照片，有吸尘器等电器的广告，还有钉在墙上的《绅士》杂志的图片。汉密尔顿给这部作品附上了一段长长的解释:“50年代艺术中的女性格格不入——她让我们想起了下水道里的气味，病态的肥胖，粉红色的分叉的腿，愚蠢而淫荡，一点也不像艺术作品之外的冰冷女人的形象。那种女人真的好色，表现出性欲的时候特别乖巧。尽管有最昂贵的珠宝，人们仍然把她当作一种时髦的装饰品。从广告的角度来看，女人最糟糕的事情就是无法优雅地与环境达成和谐——女人与环境的和谐，就像她与衣服的和谐一样，可以决定我们对她的评价。性无处不在，它的符号可以在批量生产的迷人奢侈品中找到——多肉的塑料和光滑更感性的金属。”
后来的《我梦想一个白色的圣诞节》对一个焦平面做了一系列精心的变换。特别是汉密尔顿把彩色正片换成了彩色负片，把片中的白人歌手换成了黑人歌手，讽刺地暗示了歌手所唱歌曲的歌名。但是，这种讽刺并不排除怀旧。汉密尔顿的作品和其他英国波普艺术家的作品一样，有一种淡淡的忧伤，这使得他的作品比美国波普艺术家的作品更有魅力。