本章主要介绍主流动画电影的创作方法、工作程序和任务要求。作为一部动画，尤其是主流的商业动画，动画的制作过程是庞大而复杂的，需要很多人的合作，而这种合作是一种相对固定的模式，也就是它的创作过程。以主流漫画为例，其创作的工艺流程简述如下:木偶、剪纸漫画将原画的设计、动画、描摹改为一个一个的拉(摆)来完成动作，然后进行拍摄。非主流动画的创作流程根据自身特点略有不同，但一般都有以上流程。
动画创作的主要工作程序和任务
1.前期策划阶段关系到一部动画的成败。下面就按照生产流程图的细分来简单介绍一下。负责策划制作一部新电影的人，会把电视台、厂商、广告代理商、原作者召集在一起，充分了解主办方的期望和观众的动向，讨论并编写一个故事大纲，考证故事的背景和内容，确定电影风格，设计一个有特色的、个性化的、能与市场结合的角色模型，确定作品的方针和放映时间，评估制作成本。专题报告的电影内容可以根据一个主题、故事、传说进行改编，也可以是原创(剧本写作要适合动画语言和技术的表达)，用最精炼的语言描述未来电影的概况、特点、目的、商业效果，提交投资人和管理机构审批。剧本创作包括文学剧本和写作。故事板的文学剧本也可以叫“剧本”或“剧本”，是根据电影文学的写作模式创作的书面剧本，是制作漫画的基础。就是把人物的台词、动作、情节以文章的形式展现出来，包括人物性格、服装道具、背景等细节。要求故事结构严谨，情节详细。创作电影剧本时，要召集所有相关人员(制片人、导演、编剧)决定剧本的整个故事情节，然后由编剧负责制定每集的思路和概念计划。内容往往以反映现实生活中人们愿望和想象的素材为基础，经过提炼加工产生变异，从而得到升华；或者来自一个成语或漫画。可以用神话、童话、民间故事、科学幻想、幽默小品等风格，以夸张或怪诞的形式表现出来。故事板是一个将动画文学剧本分成一系列镜头的剧本。导演根据自己对剧本的研究和构思，对艺术片的文艺剧本提供的艺术形象和故事进行增删，把需要表现的内容分成若干镜头，每个镜头依次编号标记，写出每个镜头的画面内容、台词、音效、音乐和拍摄要求，作为摄影组各创作部门的创作依据。美术设计负责确定造型、场景和艺术风格，帮助导演把握动画片的整体艺术风格。造型设计是一部成功的动画片能够吸引观众的重要一环。角色造型师不仅要有丰富的生活经验和敏锐的市场观念，还要有灵活的思维和丰富的想象力，才能塑造出充满活力、有个性(内在思维)、有特色(外在形式)的造型。如果原作是漫画杂志，它的主角和人物也是原作者设计的，那么造型师就要省略和修改原来的造型，把这些漫画形象改成动画人物。如果是原创造型，则要求将作品中的人物性格和特点表现得具体、生动、有说服力，既符合动画片的动作要求，又符合动画片的整体艺术风格，具有强烈的个性特征，能给观众留下深刻的印象。造型设计的任务包括:角色的标准造型、面部图(一般有正面、侧面、背景)、结构图、比例图(角色与角色、角色与布景、角色与道具的比例)、服装道具分解图、形体特征描述图(角色特有的表情、习惯动作)和口型图。造型设计关系到电影制作过程中保持人物形象的一致性，对人物塑造的准确性和动作描写的合理性具有指导作用。动画片的角色造型一旦确定，角色在任何场合的活动和表演都要保持其特征和形象的统一。场景设计是根据剧本内容和导演的构思创作的动画片场景设计稿。包括影片中各主要场景色彩氛围图、平面坐标图、三维鸟瞰图、场景结构分解图。为导演提供镜头调度、运动主体调度、视点、视距、视角选择、画面构图、场景透视、光影变化、空间想象的依据。也是镜头画面设计和背景绘制的直接参照，控制和约束整体艺术风格，保证叙事的合理性和情景动作的准确性。一部动画片的艺术风格很大程度上取决于场景设计。图片故事板艺术电影独特的故事板，有图片和文字。根据人物故事板，设计出全片每个镜头的连续小画面，画面包括人物动作、背景变化、场景大小、镜头调度、光影效果等视觉图像。此外，还要有相应的文字描述:时间设定、动作描述、对话、音效、相机切换模式等。Picture story board的工作微妙而复杂，通常由导演和他的助手来完成。画面故事板相当于未来电影的预览，也是动画片的总设计蓝图，是导演用来与创作团队所有成员沟通的。记录这是后期作品移到前期作品的特例。比如提前录好对话，也叫“声音表演”。
2动画制作流程
这种做法有两个目的:一是配音演员根据自己的需要，由导演引导，用声音表达自己的感情和动作。这样可以让动作设计在设计人物表演时有依据和帮助，从而刺激动画师有更多的想象力，画出更生动的动作；二、这种方法可以使画面动作和声音(对话、音乐、效果等。)配合更精准，让动画片取得更好的效果。2.中期创作阶段中期创作阶段的每一个环节都关系到整部电影的风格和水平，需要所有的制作方相互配合和协作。设计稿是根据漫画图片故事板中每个镜头的小图放大加工的铅笔画。放大时要求考虑镜头形状的合理性，画面构图的可能性，空间关系的表现。设计稿要有画面规格设置、镜头数、背景数、时间规定等标准。设计稿一般有两部分:一是人物(角色)的动作设计稿，画出活动主体的初始动作和轨迹，以及动态体最重要的动态和表情，以及动态体与背景穿插时的交线。二、背景设计稿要根据确定的规格，画出移动或推拉镜头的具体形状、角度、起止位置。设计稿是一系列制作技术和拍摄技术的蓝图，包括背景绘制和原画设计动作的依据，以及思维线索、画面规格、背景结构关系、空间透视关系、人景交接关系、人物动作起止位置、运动轨迹方向等，成为很多后续流程的基本依据。动作设计(原画)原画是制作漫画的核心。在工作之前，美术设计师为原画提供每一个镜头的设计稿。原画设计要根据导演的意图和镜头设计稿的要求，设计好每个镜头的关键动作，给动画师画出动作要点，中间标出几个动画，同时填写摄影表。原画师相当于一般电影中的演员。他赋予角色生命，把他们塑造成会说话会思考的生物或非生物。他是动画制作的灵魂，当然要服从导演的整体把握。原画师是表达每个角色的主要设计者，但他不能完全自己做出动作。通常他只画一个动作的开头、中间和结尾，然后编码并填入照片表，其他的都是由助手(包括整形和中间的动画师)来完成。原画决定了漫画中运动体的范围、节奏、距离、路线和形态变化。人物的动作是否具有表现力和感染力，与原画的设计有很大的关系。形状修改的主要工作是清稿，因为原图大部分都是草图，重在准确的动作而不是精细的画面，所以必须有一个助手根据蓝图正确清晰的整理线条，但他不负责缺少连接其他动作所需的板材。设置原动画的动作所需的中间过程由中间动画师完成。中间片数少，动作转换会更快；如果片数多，会显得光滑柔顺。比如迪士尼动画中中间画面的数量就多得多，所以影片中的人物都是柔软有弹性的。动画工作并不意味着简单的劳动，他们需要配合原画设计完成一个复杂的动作过程。动画作品除了中级绘画的基本技法外，还必须具备一定的艺术创作要求。他们必须掌握动作过程中的形态结构、视角变化、运动规律等各种技巧，用准确、平直、均匀、生动的动画线条把每一个微小的动作一一画出来。动画本身就是连接原画之间变化关系的过程画面，序号要填写准确。同时要仔细阅读摄影表的具体要求，尤其是多层动画的各层互换的动画镜头。动画师一定要小心。背景背景人员根据美工提供的设计稿和现场氛围图，逐一绘制角色活动的背景图。背景图接近绘画。虽然现在很多步骤都是通过计算机操作完成，并且具有相对快速的优势，但是传统手段下背景绘制依然自然丰富。虽然更接近绘画，但背景并不是独立的绘画，只是对镜头中人物活动的衬托和对环境的解释。所以要求严格按照设计稿规定的场景、角度、结构框架来绘制背景，绝对不允许在规定范围之外任意发挥。
2.后期制作阶段后期制作阶段可以说是对电影的再创作，它的每一个过程都影响着电影的最终效果，需要工作人员认真严格的把关。描摹上色中间阶段的动画绘制都是用铅笔在白纸上画出来的，后期还要经过美术处理阶段。传统的描摹方法是将每个铅笔动画草稿转移到透明赛璐珞片上。首先用同规格的透明片把镜头里的每一张图片放在定位尺上，一张一张地描出线条。画线完成后，在背面上色。特别描述把描摹和着色合为一个过程，直接按草稿的图像来描述。特殊画法适用于画水、蒸汽、烟、火、风等。，画面效果更柔和。你也可以用描摹机描摹线条。只需在动画纸上放一块透明的，用描摹机就可以直接复制到亮的那块。但是描线机只能把黑线复制到亮片上，彩色线要手工描线。手绘线条画是一项非常细致、技术性很强的工作，画出来的线条和动画一样(准确、平直、均匀、生动)。描图后的亮片背面，用不透明的特殊水溶性颜料上色。上色是一项细致、复杂、艰巨的技术工作。必须按照图造型中规定的各种色号，用画好的线条一张一张地画在亮片的背面。上色的时候只能画在线的范围内，不允许有线和漏。颜色也必须涂得均匀。为了保证画面质量，要注意保持干净，不能有头发，不能有油渍和指纹，不能有划痕。描摹可以说是原画和动画的最终包装，也是运动题材的视觉包装，直接关系到影片的视觉质量。可以说，稍有差池就可能造成前功尽弃的后果，所以要严格考核画线上色人员的专业素质和责任心理。校对描图工作完成后，需要拍摄，拍摄前必须送到校对部门校对检查。
3动画制作流程
因为前面的制作是很多人分别完成的，虽然是在导演的监督下，有各种详细的蓝图，但难免出错。首先检查描色质量，看成品是否按照规定的颜色上色；其次，检查成品是否缺片，是否有划痕、污垢等。最后，检查人物图片与镜头背景的匹配情况。这时候要仔细反复的加倍匹配，看人物和背景的对齐是否准确，同时还要检查镜头处理，背景移动，镜头推拉，技术要求等等。为了保证拍摄工作的顺利进行，对校对人员的素质要求应该是非常高的，有时候导演助理也会完成这项工作，因为在学校发现问题需要一定的眼力和经验。成品校对好之后，就可以送到摄影部进行拍摄了。动画拍摄方式不同于故事片，动画拍摄称为逐帧拍摄。摄影师要按照镜头摄影台上的记录，一个一个地拍摄。为此设置了专门的动画拍摄台，台面配有定位尺(放置动画图片)和移动轨道(放置背景图片)。框架周围放置照明灯。相机固定在框架上，拍摄时可以上下移动。此外，动画拍摄平台可用于多层拍摄和悬挂舞台拍摄，以及透明拍摄和各种特效拍摄。早期的漫画很简单，就是对着镜头拍照。现在摄影的功能越来越精致，很多效果都是摄影做出来的，不完全是绘画。编辑这是漫画画面的完成阶段。胶片拍完显影后，要印成工作样片。首先，剪辑人员应该和导演一起按照故事板的顺序编辑整部电影。初始切割后，要去掉多余的帧，把散落的胶片按符号顺序连接起来。然后按照导演的要求，一遍又一遍的精心剪辑，力求画面衔接流畅，节奏清晰，达到最理想的效果。所以这是动画蒙太奇的最终体现，也是一个再创造的过程。目前动画剪辑一般采用计算机系统的非线性剪辑，不仅快速有效，还能给画面添加特效，使影片更加多变有趣。录制配音动画片比一般的故事片更依赖声音。电影剪辑后，如果采用预录，就需要和剪辑平台上的对话声带同步。如果没有，之后会进行配音和音效。录制工作基本和正规电影一样，包括音乐、对话、效果。根据影片中不同的角色选择配音演员，根据全片的对白将样片分成几段。配音演员反复观察样片，练习对口型。每个角色的声音都是由配音演员塑造的，并与角色融为一体。配音演员可以边看样片边配音，也可以把片子变成录像带，在片场用电视监视器录下来，更方便。录制一般需要专门的录音棚，在导演的监督下进行。配音演员在录音的同时，音乐和音效也分别录音，然后录在同一盘磁带上，这就是录音合成。重复初步合成的磁带，然后调整配音、音效、声强，达到想要的效果。所有的混音完成后，要转换成光学声带，和画面的工作样片一起拷贝成正片，再打印成投影拷贝。经过如此复杂而艰苦的过程，一部动画电影就完成了。电视动画片的制作与此类似，但最终产品是磁带。4.导演的创意总监是一部电影统领全局的灵魂，动画制作的方方面面都离不开导演。他的任务是带领所有动画工作人员完成制作工作。一个好的导演应该精通动漫制作的所有知识，具有丰富的想象力和创造力，充满自信和幽默感，对市场有很好的了解，思维能力强，反应快，沟通能力强，有责任感，才能有效地执行动漫制作的任务。导演的创作流程简述如下:前期策划阶段，导演要确定和修改剧本(包括画故事板的画面)，写导演解说，确定全片的艺术风格、造型、场景，还要和作曲、录音师一起确定主题曲和声音作曲。中期创作阶段，导演要指导设计稿和原画。在后期制作阶段，导演要审核动作样片并提出修改建议，还要审核完成的样片并监督剪辑剪辑过程，最后指导录音配音并最终完成影片。其他动画电影的创作与制作:本文主要介绍木偶动画的制作方法。传统木偶动画继承了传统木偶戏的表演模式，具有非常鲜明的艺术特色:面部表情不变，肢体动作非常机械夸张，有很强的戏剧舞台感。现代木偶动画制作流程复杂，制作和拍摄相当费时费力。木偶主要由木头、石膏、橡胶、塑料、海绵、银线或金属接头等制成。，并用脚钉定位。拍摄时，将一个动作按顺序分解成几个环节，逐帧逐一拍摄，通过连续投影还原成一个运动图像。木偶电影的三维人物造型设计是基于剧本内容和导演的整体风格。首先，设计能够表达人物特征的木偶躯体制作结构；然后选择人物服装的颜色、服装和道具的彩图，再确定木偶本体的制作结构，选择人物服装的图案和材料；最后画出木偶正面和侧面的尺寸图，交给相关部门生产加工组装。木偶动作设计相当于故事片中的演员。在拍摄之前，动作设计师必须做好艺术和技术上的准备:1，熟悉剧本情节，研究琢磨木偶的造型特点，撰写人物传记并分析人物性格，设计贯穿全片的动作；2.根据导演与故事板和导演与故事板的要求，掌握动作节奏，计算动作时间，通过动作体现人物性格。在背景设计上，根据剧本内容和导演的整体意境，绘制了设定的风格色彩稿、全片的色彩评分、各场景的色彩氛围图、制作尺寸和木偶角色行动路线的方案。
4动画制作流程
布袋戏的场景制作要有深度感，可以多角度拍摄。布景的风格应与木偶设计的风格一致。正式拍摄前要进行实验性拍摄，检验一部影片的人物塑造、动作、表演风格。样片确定导演和动作设计后，将进入正式拍摄。剪报是艺术片的一种。是在借鉴皮影戏、民间剪纸等传统艺术的基础上发展起来的艺术电影风格。它以平面雕刻艺术为人物造型的主要表现手段，并借鉴皮影戏中拼装关节的经验来操纵人物的动作，制作平面关节纸娃娃。环境空间由彩绘纸天花板和粘贴在玻璃板上的前景和背景场景组成，玻璃板之间相隔一定距离，分层配光。剪纸电影中各种场景的纸木偶是根据人物的特点(写实、变形等)解剖关节而成的。)根据剪纸人物的造型图和动态图，用专门为人物各部位染色的彩纸进行绘制、雕刻和裁剪，然后根据解剖图用关节钉进行组装和连接，从而成为一个灵活的平面关节纸木偶，而又不失其原有的形状和特点。然后用纸通过绘画、切割、雕刻、描绘来制作剪纸背景。拍摄时，以背景设计稿为基础，将各种场景的平面布景和道具粘贴在玻璃板上，纸娃娃也放在玻璃板上。分解后的动作逐帧拍摄，通过连续投影形成运动图像。水墨动画利用水墨的渲染，充分发挥水墨浓淡和真实感的效果来刻画物体。中间既没有清晰的边缘线，也没有平淡的色彩。更多的名字是以家族的花鸟画形象作为角色。代表作有《小蝌蚪找妈妈》、《山景》、《穆迪》等。现场绘制(沙画)在制作沙画时，沙堆的疏密程度可以创造出不同的明暗人物，沙子形成独特的波浪形边缘，使人物轮廓显得特别自然柔和，特别适合制作流动和变形的效果。但是沙画最大的一个问题是，因为动画师要在镜头前素描，所以大部分的图像都无法提前制作，沙粒很难形成。有静电的时候，它们会粘在一起，吹起来又轻又散，所以在制作上很费功夫。加拿大国家电影局卡罗琳作品？丽芙，猫头鹰和鹅的婚礼，等等。真人动画也被称为“怪异动画”。它很像真人电影，有两种拍摄方式:一种是按照常规方法拍摄，然后根据创作者或导演的需要“提取画面”；另一种是逐帧拍摄，制造机械运动。其实无论是陈设还是演员都不是这样动的，这两种拍摄方式拍出来的片子都很有动画效果。比如:加拿大国家电影局诺曼？麦克拉伦的代表作《邻居》就是用“帧提取”拍摄的。除此之外，还有各种动画形式的创作和制作方法，如实物摆拍、针幕动画、油画动画等。请参考教材“漫画的分类”一章。电脑3D动画流行的电脑3D动画如火如荼地冲击着动画屏幕。1964年在贝尔实验室工作的肯？诺顿开始利用电脑技术制作动画电影，从此动画行业进入了电脑动画时代。由于60年代计算机动画的兴起，70年代计算机绘图的明暗处理和建模算法相继问世，80年代发展起来的图像真实感图片也提供了更加逼真实用的计算机动画。因此，影视动画行业频频掀起电脑动画的热潮。这里对3D动画的讨论，并不局限于将其作为一种特殊的动画类型来研究，而是比较现代动画相对于传统动画的多样化，未来动画的发展趋势，机械手段的广泛介入，媒体的日益丰富。在传统的卡通动画中，由动画师创作的一系列手绘画面快速连续播放，产生生动的动作和幻觉。传统动画师可以直接控制笔和纸等媒介，也可以轻松开发特殊技术；计算机动画制作人必须通过交替光计算机接口传输他们的要求。比如设置关键图像的技巧，可以帮助设计师控制物体、光源、镜头的位置，计算机可以用来计算所有接力图像中物体的位置。这样，电脑动画就能快速产生动态图像。现在人们广泛使用的3D动画软件有3DMAX和MAYA，可以制作三维动画人物，甚至可以制作出动画效果。起初，电脑上色制作的平面二维动画是后期实现常规传统手绘动画效果的一种方式。Flash已经成为制作平面动画短片的一种方便快捷的方式。平面动画发展到今天，越来越依赖计算机来完成电影制作，尤其是电视动画和网络动画。常用的软件是Flash和Retarsh，以达到设计师要求的物理上色效果。20世纪90年代以来，大量动画片利用电脑提高产量和影片质量，获得新的卖点。比如第一次尝试平面和电脑制作结合的《泰山》，到3D动画《玩具总动员》、《海底总动员》等等。现在平面和三维动画的界限已经不再明显，越来越多的动画电影呈现出丰富多彩的混合效果。名词解释摄影表是摄影师操作画面关系和拍摄方法的蓝图。摄影台的规划由导演根据设计稿和镜头设计进行，填充由原画师完成。内容包括镜头编号、动作提示、长度、对话、口型、原动画帧数、层次关系、背景(如果有前景设置视界)、拍摄说明(推拉范围、移动镜头的坐标方向、移动速度要求等。)，而且如果是长镜头，要写摄影表的页码顺序。表中应使用具体符号表示各种表达方式，并附实例。动画摄影师必须严格按照此表拍摄。导演根据文学剧本的内容，以书面形式阐述了电影的主题、人物、艺术风格的构思和设想，并对各创作部门提出了保证整部电影思想性和艺术性相统一的要求，动画画面中的一个运动体，相对于一个静止的人物，无论是人还是物，都称为“运动体”。